FENSTER ZUR FILMWELT: VIELFALT, KUNST UND BEGEGNUNGEN IM KINOK.

Der eine ist Sohn eines Waadtländer Bauern, der andere Sohn eines eingebürgerten kabylischen Seeigelfischers: Stéphane und Mehdi sind Schweizer – also neutral. Doch was bedeutet das? Während in Europa Krisen drohen, begeben sich die beiden auf einen Roadtrip, um ihre Identität zu verstehen. Ein humorvoller Schlagabtausch über Schweizer Identität.

Stéphane Goël ist sechzig Jahre alt, Sohn von Waadtländer Bauern und einer der erfahrensten und erfolgreichsten Regisseure der Romandie. Mehdi Atmani, Sohn eines in die Schweiz emigrierten algerischen Fischers, ist halb so alt wie Goël, arbeitet als Journalist und hat noch nie einen Film realisiert. Ihre Forschungsreise zum Thema Schweizer Neutralität führt das ungleiche Gespann durch die Welt und die Zeit. Ihr Trip beginnt am Ort der Schlacht bei Marignano im Jahr 1515, führt weiter zum Réduit, der nationalen Rückzugsstätte während des Zweiten Weltkriegs, trifft auf die Initiant:innen der 2024 eingereichten Neutralitätsinitiative. Sie besuchen die Eurosatory-Rüstungsmesse in Paris, den UN-Sicherheitsrat in New York, die koreanische Demarkationslinie und zahlreiche weitere Orte. In bald tragikomischem, bald ironischem Ton und in stets dynamischem Rhythmus nähern sich Goël und Atmani dabei einem letztlich unbegreifbaren Mythos an. Michael Sennhauser schreibt in seinem Filmblog: «‹Sonderfall› ist eine unterhaltsame Auseinandersetzung mit der Schweiz und ihrem Selbstbild und im Hinblick auf die Abstimmung über die Neutralitätsinitiative im Herbst ein klar positioniertes, aber für alle Seiten enorm instruktives und vor allem sehr kurzweiliges Abstimmungsbüchlein.» Und Cineman meint: «Der Film bewegt sich elegant zwischen Roadmovie, Dokumentation und philosophischer Selbstbefragung.»

 

Mit zwölf Jahren wird Olivias Alltag von einem Tag auf den anderen auf den Kopf gestellt. Sie muss sich an ein neues, bescheideneres Leben gewöhnen und sich ganz allein um ihren kleinen Bruder Tim kümmern. Der liebevolle Stop-Motion-Trickfilm findet einen einfühlsamen Zugang zu schwierigen Themen wie Obdachlosigkeit, psychische Gesundheit und Solidarität.

Die zwölfjährige Olivia und ihr kleiner Bruder Tim leben mit ihrer alleinerziehenden Mutter in einer kleinen Wohnung in Barcelona. Weil die Mutter keine Anstellung mehr als Schauspielerin findet, müssen sie aus der Wohnung ausziehen. Unterschlupf finden sie in einer unmöblierten Wohnung ohne Strom in einem ärmlichen Quartier. Wegen der existenziellen Sorgen fällt die Mutter in eine tiefe Depression. Olivias Ängste und Sorgen manifestieren sich in heftigen Erdbeben, die nur sie sieht und spürt und die ihr den Boden unter den Füssen wegziehen. Zum Glück findet sie in der Schule und der Nachbarschaft Freund:innen, mit deren Hilfe sie die schwere Zeit zu meistern lernt. Die katalanische Regisseurin Irene Iborra Rizo hat die gleichnamige, erfolgreiche Graphic Novel ihrer Freundin, der Autorin Maite Carranza, für das Kino adaptiert. Kindgerecht, mit Humor und Zuversicht wird von Zwangsräumung, Depression und Kinderarmut erzählt; die liebevollen Stop-Motion-Animationen werden durch einfallsreiche Schatten- und Sandanimationen ergänzt. «Olivia» wurde am renommierten Animationsfilmfestival in Annecy mit dem Prix Fondation Gan à la Diffusion ausgezeichnet. Auf Screen Daily heisst es: «Dies ist ein bezaubernder Film, der sich zeitgemäss für gemeinschaftliches Handeln einsetzt.»

 

Das Leben der alleinerziehenden Journalistin Edith gerät durcheinander, als sie den Vater ihres Sohnes kennenlernt, der durch eine Samenspende gezeugt wurde. Sie sucht dessen Nähe und verstrickt sich in ein Netz von Lügen. Das norwegische Drama thematisiert wichtige Fragen zu Herkunft, Identität sowie Zugehörigkeit und schildert die Komplexität moderner Mutterschaft.

Edith ist Journalistin, Mitte vierzig und alleinerziehend. Ein anonymer Samenspender ist der Vater ihres fünfjährigen Sohnes. Je älter dieser wird, desto grösser werden die Herausforderungen, und Edith befürchtet, ihrem Sohn nicht gerecht zu werden. Als die Identität des Spenders unerwartet ans Licht kommt – ein erfolgreicher Spieleentwickler namens Niels –, nimmt sie unter dem Vorwand, ein Interview über ihn und seine Firma führen zu wollen, Kontakt mit ihm auf. Was als kalkuliertes Treffen beginnt, vertieft sich allmählich zu einer Beziehung, die Ediths Gefühlswelt samt bisherigem Lebenskonzept gehörig durcheinanderwirbelt. «Solomamma» feierte seine Weltpremiere am Locarno Film Festival 2025 und gewann den Preis der Ökumenischen Jury, die ihn für seine tiefgründige Auseinandersetzung mit grundlegenden ethischen Fragen zu Herkunft, Identität und Zugehörigkeit würdigt. Arttv lobt: «Mit ‹Solomamma› erzählt die norwegische Regisseurin Janicke Askevold von einer modernen Mutterschaft, die sich jenseits klassischer Familienmodelle entfaltet – und von den leisen, aber tiefgreifenden Konflikten, die entstehen, wenn persönliche Entscheidungen auf emotionale Realitäten treffen. Getragen von einer nuancierten Performance von Lisa Loven Kongsli entfaltet sich ein zurückhaltendes Drama über Identität und Verantwortung.»

 

Die Wege der todkranken ehemaligen Literaturprofessorin Lena und des einsamen Maya Leon, der die Geheimnisse der Natur hütet, kreuzen sich in einem vergessenen mexikanischen Dorf. Trotz ihrer unterschiedlichen Welten finden sie aneinander Halt. Ángela Molina und Andrés Catzín verzaubern in einem betörenden Märchen über das Alter und die Liebe.

Die ehemalige Literaturprofessorin Lena ist unheilbar krank und hat sich zum Sterben von Mexiko-Stadt in ihr verlassenes Kolonialhaus auf der Halbinsel Yucatán zurückgezogen. Hier begegnet sie Leon, einem alten Maya, der die Geheimnisse der Natur und der Geister hütet und dessen bescheidenes Häuschen einer Strasse weichen soll. Trotz ihrer kulturellen Unterschiede und scheinbar gegensätzlichen Lebenswelten entsteht zwischen den beiden einsamen Seelen eine tiefe Verbindung. In Leon findet Lena einen unerwarteten Begleiter für ihre letzten Tage, der ihr die Weisheit der Natur näherbringt und ihre Angst vor dem Tod besänftigt. In betörendem Schwarz-Weiss und mit zwei hinreissenden Hauptdarsteller:innen gelingt dem Westschweizer Regisseur Germinal Roaux («Fortuna») eine zutiefst poetische, philosophische Erzählung über das Alter, seine stillen Veränderungen und das wesentlichste Band, das uns verbindet: die Liebe. Marco Pierrard schwärmt auf CitaZine: «Als wunderschönes, zur Kontemplation einladendes visuelles Gedicht trotzt ‹Cosmos› der Zeitlichkeit des Kinos, um eine ungewöhnliche Annäherung einzufangen, die die Klischees seiner dramaturgischen Prämisse sprengt. Ein kostbarer Moment des Innehaltens zwischen moderner Kultur und altem Maya-Glauben, der sich dem Rhythmus der Natur anpasst, um die Akzeptanz der Endlichkeit zu feiern.»

 

Elisa sitzt seit Jahren im Gefängnis, weil sie ohne erkennbares Motiv ihre ältere Schwester getötet hat. Sie kann sich an nichts erinnern und beschliesst, an einem Forschungsprojekt eines Kriminologen teilzunehmen, der Überraschendes zutage fördert. Barbara Ronchi und Roschdy Zem tragen Leonardo Di Costanzos Studie über menschliche Abgründe.

Die 35-jährige Elisa Zanetti sitzt seit zehn Jahren im Gefängnis, weil sie – ohne erkennbares Motiv – ihre ältere Schwester getötet hat. Sie selbst hat fast keine Erinnerung an das Verbrechen. Nach der Tat hüllte sie sich in Schweigen und erzählte nie, was wirklich geschah. Ihre Strafe sitzt sie in der Haftanstalt Moncaldo ab, einem Modellgefängnis in den Bergen mit eigenem Universitätszentrum. Als der renommierte Kriminologe Alaoui als Gastdozent eingeladen wird, entschliesst sie sich, an seinen Forschungen zu Familienverbrechen teilzunehmen. In spannungsgeladenen und unerbittlichen Dialogen mit dem Wissenschaftler versucht sie, die Umstände und Motive des Mordes zu rekonstruieren. Während ihre Erinnerungen langsam Gestalt annehmen, werden die Sitzungen zu einem schmerzhaften Prozess der Selbsterkenntnis. Inspiriert von Studien und Gesprächen der Kriminologen Adolfo Ceretti und Lorenzo Natali, interessiert sich der italienische Regisseur Leonardo Di Costanzo – ein regelmässiger Vertreter in unserer «Cinema italiano»-Reihe – in seinem vierten Spielfilm weniger für das Verbrechen selbst als für «die innere Reise der Täterin». Meisterlich gespielt von Barbara Ronchi und Roschdy Zem in den Hauptrollen, erweist sich «Elisa» als vielschichtige Reflexion über Schuld, Scham, Vergebung und Neubeginn, die einfache Antworten meidet.

 

Die Regisseurin Dea Gjinovci geht mit ihrem seit Jahrzehnten in der Schweiz lebenden Vater auf Erinnerungssuche in dessen Heimatdorf im Kosovo. Das Dorf wurde im Krieg zerstört, einzig die Erinnerungen der Dorfbewohner:innen sind geblieben. Vater und Tochter decken Erschütterndes auf und stossen auf ungelöste Rätsel wie das Verschwinden der Grossmutter.

Die Regisseurin kehrt mit ihrem Vater Asllan Gjinovci, einem früheren Politaktivisten, der seit sechzig Jahren im Exil in Genf lebt, in sein Heimatdorf Makërmal im Kosovo zurück, das im Krieg zerstört wurde. Um verschüttete Erinnerungen wiederzubeleben und schmerzhaften Lücken in der Familiengeschichte nachzuforschen, stellt Dea Gjinovci wichtige Ereignisse in einem kollektiven Reenactment mit Familienmitgliedern und Dorfbewohner:innen auf einer kleinen Holzbühne nach. Ihre Erkundungen fördern Erheiterndes wie Erschütterndes zu Tage. Tom von Arx schreibt auf Outnow: «Man schliesst die Menschen in Makërmal sofort ins Herz – auch den Esel, der das Treiben aus der Distanz beobachtet. Er sieht, wie sich ein Mann, der sich hartnäckig und teils unbewusst gegen die Konfrontation mit den Erlebnissen seiner Vergangenheit und seinen Schuldgefühlen gewehrt hat, immer mehr öffnet – und wie sein ganzes Dorf ihn dabei unterstützt. (…) Die Geschichte Asllans nimmt einen mit in ein Wechselbad der Gefühle. In seinem Tanz mit der Erinnerung durchleben auch die Zuschauer den Schmerz, die Pein der Selbstverachtung und die Wärme der Versöhnung. Es ist ein starker und schöner Film.» Das Kino Riffraff schreibt auf seiner Webseite: «Ein poetisches Porträt zwischen Dokumentarfilm und magischen Elementen, das zeigt, wie Geschichten in Körpern, Landschaften und Beziehungen weiterleben.»

 

Die quirlige Seniorin María Ángeles lebt im marokkanischen Tanger. Als ihre Tochter Clara aus Madrid anreist, um kaltherzig die Wohnung zu verkaufen, gerät Marías Leben aus dem Lot. Entschlossen setzt sie sich gegen die Abschiebung ins Altersheim zur Wehr. Die Almodóvar-Schauspielerin Carmen Maura begeistert als María, die nochmals Lebenslust und Liebe entdeckt.

María Ángeles, eine lebensfrohe, ältere Spanierin, lebt in der Málagastrasse in der Altstadt von Tanger. Ihre Eltern waren einst, wie viele ihrer Landsleute, vor Francos Regime nach Marokko geflohen. María Ángeles ist hier verwurzelt, man kennt sich, wirft sich an jeder Ecke ein Lächeln zu – ein Idyll. Eines Tages kommt ihre Tochter Clara aus Madrid zu Besuch. Sie hat schlechte Nachrichten und kommt gleich auf den Punkt: Sie steckt in einer schweren finanziellen Krise und weiss nicht, wie sie sich und ihre zwei Kinder durchbringen soll. Sie sieht nur eine Lösung: die Wohnung in Tanger zu verkaufen, die der Vater ihr überschrieben hat. Ihre Mutter soll mit zu ihr nach Madrid kommen oder in Tanger in eine Altersresidenz ziehen. Doch María Ángeles denkt nicht daran … Der dritte Spielfilm der Marokkanerin Maryam Touzani («Le Bleu du caftan») zeigt Almodóvar-Liebling Carmen Maura, die vor wenigen Monaten 80 Jahre alt wurde, in Höchstform. Als rebellische Seniorin, die das Leben voll auskostet, begeisterte sie Publikum und Kritik am Filmfestival von Venedig. David Rooney schreibt in The Hollywood Reporter: «‹Calle Málaga› gehört ganz einer leuchtenden Carmen Maura, die hier mit erdverbundener Natürlichkeit, überwältigendem Humor und hartnäckigem Geist eine direkte Verbindung zu ihren almodóvarschen Glanzzeiten erreicht.»

 

In einem Frauenhaus setzt sich ein engagiertes Team täglich für Frauen ein, die Gewalt erfahren haben. Die Mitarbeiterinnen hören zu, beraten und begleiten die Betroffenen auf dem Weg in ein selbstbestimmtes Leben. Das wichtige Sozialdrama über Solidarität und Heilung wird von einem herausragenden Ensemble um Karin Viard, Lætitia Dosch und Juliette Armanet getragen.

Mit Herzblut und Entschlossenheit leitet die Gynäkologin Dr. Diane Khoury die «Maison des femmes» im Pariser Vorort Saint-Denis. Die Einrichtung bietet gewaltbetroffenen Frauen medizinische Versorgung und psychologische Betreuung. Diane wird von einem eingeschworenen Team, dem die Hebamme Manon, die junge Assistenzärztin Inès und die Krankenschwester Awa angehören, engagiert unterstützt. Als eines Tages staatliche Finanzprüfer:innen auftauchen, steht Diane vor der grössten Herausforderung ihrer Karriere: das Zentrum zu retten, das in seiner Existenz bedroht ist. Regisseurin Mélisa Godet legt mit ihrem Kinodebüt ein packendes Sozialdrama vor, das als Ensemblefilm mit Karin Viard, Pierre Deladonchamps und Lætitia Dosch einige der bedeutendsten französischen Schauspieler:innen vereint, die mit grosser Spielfreude agieren, allen voran Karin Viard als energiegeladene Leiterin. Rebecca Cherry schreibt auf Film Carnage: «‹La Maison des femmes› zeigt eindrücklich die Art von Fürsorge und umfassender Behandlung, die man jeder Frau wünscht, die Gewalt erlebt hat. Die Schönheit dieser Fürsorge und des Mitgefühls wird durch ein grossartiges Ensemble verkörpert, das eine starke, intelligente und unermüdliche Gruppe von Figuren gemeinsam zum Leben erweckt, was diesen Film zum beglückenden Erlebnis macht.»

 

Anna und Magnús haben sich auseinandergelebt. Während Anna sich um die Kinder und ihre Künstlerinnenkarriere kümmert, muss Magnús bald wieder zur See, weil die Hering-Saison beginnt. Das Drama hält fest, was bleibt, wenn eine grosse Liebe vergeht und ihre Spuren im Alltag hinterlässt – mit feinem Humor und verspielten Sequenzen vor der atemberaubenden Kulisse Islands.

Es beginnt mit dem spektakulären Abriss des Daches einer Hütte – dem ehemaligen Atelier von Anna. Die Künstlerin und Mutter dreier Kinder hat sich kürzlich von Magnús, dem Kindsvater, getrennt. Während dieser ausgezogen ist und als Arbeiter auf einem Fischkutter schon früher oft abwesend war, ist Anna mit den Kindern in dem geräumigen und abgelegenen Haus nahe der wilden isländischen Küste geblieben und möchte ihre Karriere als Künstlerin vorantreiben. Was allerdings nicht nur wegen des Verlustes ihres Ateliers erschwert wird, sondern auch, weil wegen der liebevollen Verbindung zu ihren Kindern ihre Beziehung zu, respektive Trennung von Magnús nicht so eindeutig ist, wie es scheint … Auf 35 Millimeter und im Akademieformat gedreht, mit den eigenen Kindern als Darsteller:innen, schafft Regisseur, Drehbuchautor und Kameramann Hlynur Pálmason vor Islands grandioser Landschaft einen hybriden Familienfilm voller verrückt-künstlerischer Einfälle. David Rooney schreibt in The Hollywood Reporter: «Was ein vertrautes Familiendrama hätte werden können, wird hier dank eines bewundernswert unkonventionellen Zugangs voller traumhafter Umwege zum zarten, die Grenzen zwischen Realität und Fantasie wiederholt verwischenden Porträt einer Trennung, deren müde Traurigkeit von einem hervorragenden Protagonistenpaar genial verkörpert wird.»

 

Kurz vor Weihnachten erhält Anja, die mit Tomas eine Patchworkfamilie hat, eine erschütternde Diagnose: Gehirntumor. Wie sollen sie das den Kindern mitteilen? In Maria Sødahls autobiografisch gefärbtem Spielfilm begeistern Andrea Bræin Hovig und Stellan Skarsgård als Paar, dem sich eine neue Nähe eröffnet.

Die Choreografin Anja hat zum ersten Mal ein Tanzstück im Ausland auf die Bühne gebracht und freut sich, zurück in Oslo, auf das Weihnachtsfest mit ihrer Patchworkfamilie. Zusammen mit ihrem Partner Tomas, einem wesentlich erfolgreicheren Theaterdirektor, zieht sie nicht nur drei gemeinsame Kinder gross, sondern auch drei aus seiner ersten Ehe. Da erhält sie eine niederschmetternde Diagnose: Ihre stechenden Kopfschmerzen rühren nicht von Überlastung her, sondern von einem unheilbaren Hirntumor. Die Ärzte geben ihr nur noch wenige Monate. Während sie auf eine möglicherweise lebensverlängernde Operation wartet, ist das Paar gezwungen, sich mit der Realität seiner Beziehung auseinanderzusetzen. Basierend auf ihrer eigenen Geschichte entwickelt Regisseurin Maria Sødahl ein bewegendes Beziehungsdrama voller Zwischentöne, das Krankheit und Tod einer existenziellen Erfahrung von Hoffnung und Verbundenheit gegenüberstellt. Bianka Piringer schreibt auf Kino-Zeit: «Anja und Tomas machen als Paar eine Entwicklung durch, die einen zunehmend in Bann schlägt. Sie bleiben zwar bis zuletzt das pragmatische, etwas kühl wirkende Paar, das sie zu Anfang darstellen, lernen sich aber mit ungeahnter Intensität, auf einer emotionalen Achterbahnfahrt, neu kennen. Dabei schwingt sich das Spiel von Stellan Skarsgård und Andrea Bræin Hovig in atemberaubende Höhen auf.»

 

Rom 1980: Die Schriftstellerin Goliarda Sapienza landet wegen Diebstahls im Gefängnis. Die Begegnung mit den Insassinnen wird für sie zu einem Erweckungsmoment. Nach ihrer Entlassung entdeckt sie durch sie Lebensfreude und findet zum Schreiben zurück. Das Biopic stellt die bedeutende italienische Autorin ins Zentrum, die vor Kurzem wiederentdeckt wurde.

Rom, 1980: Die Arbeit an ihrem posthum erschienenen Meisterwerk L’arte della gioia stürzt die Schriftstellerin Goliarda Sapienza in bitterste Armut. In ihrer Not bestiehlt sie eine reiche Freundin und landet im römischen Gefängnis Rebibbia. Die Begegnung mit den Insassinnen, ihrer Vitalität und Solidarität, eröffnet ihr eine völlig neue Welt. Als sie aus der Haft entlassen wird, bleibt sie mit einigen Frauen befreundet, was in den intellektuellen Kreisen Roms auf Unverständnis stösst. Insbesondere der jungen Roberta, die sie auf ihren Spritztouren und kleinen Gaunereien begleitet, ist sie eng verbunden … Maike Albath, Spezialistin für italienische Literatur, nannte Goliarda Sapienza «ein Naturereignis». Obwohl eine der grossen Autorinnen der europäischen Literatur des 20. Jahrhunderts, wurde sie erst kürzlich wiederentdeckt. Sapienza arbeitete als Theater- und Filmschauspielerin, unter anderem bei Luchino Visconti und Luigi Comencini, bevor sie 1950 zu schreiben begann. Ihre Inhaftierung in Rebibbia hat sie in ihrem beeindruckenden, autofiktionalen Werk L’università di Rebibbia festgehalten, das ebenfalls erst posthum veröffentlicht und vor wenigen Jahren ins Deutsche übersetzt wurde. «Fuori» ist von ihrem bewegten Leben zwischen Kunst, Politik und Boheme inspiriert.

 

Als sich die Dörfer im Mandatsgebiet gegen die britische Kolonialherrschaft auflehnen, versuchen Yusuf und Afra dagegenzuhalten, während Khalid in die Revolte hineingezogen wird. In ihrem bildgewaltigen Historiendrama über den arabischen Aufstand von 1936 verwebt die palästinensische Filmemacherin Annemarie Jacir gesellschaftliche und persönliche Umbrüche.

1936 steht Palästina kurz vor einer Revolution. Wütend über die gewaltsame Unterdrückung durch die britische Kolonialherrschaft und den Zustrom zionistischer Siedler:innen, die unter britischer Schirmherrschaft Land in ihren Besitz bringen und die Kontrolle über den Arbeitsmarkt übernehmen, fühlen sich grosse Teile der einheimischen Bevölkerung zum Widerstand gezwungen. In Jerusalem setzt sich der junge Yusuf für sein Dorf ein, in dem das Leben unter den britischen Umstrukturierungsmassnahmen unerträglich geworden ist. Er arbeitet als Chauffeur bei einem intellektuellen Paar – der radikalen Journalistin Khouloud, die ihre Texte nur unter einem männlichen Pseudonym veröffentlichen kann, und ihrem Mann, dem Verleger Amir, der vor allem seinen gesellschaftlichen Status bewahren möchte. Während die britische Verwaltung, die eigentlich vermitteln soll, sich im Zweifel stets auf die Seite der Siedler:innen stellt, wächst die Wut der palästinensischen Bevölkerung und entlädt sich schliesslich in einem landesweiten Generalstreik, der als Beginn des arabischen Aufstands in Palästina gilt. Mit einem internationalen Cast und palästinensischen Stars wie Hiam Abbass oder Saleh Bakri gelingt der palästinensischen Regisseurin Annemarie Jacir ein bewegendes Historiendrama, das die Ursprünge der Nakba und die kolonialen Wurzeln des heutigen Palästinas nachzeichnet.

 

1917 verschlägt es Lionel an die Ostküste, wo er am Boston Conservatory den Mitstudenten David kennenlernt. Ihre Liebe zur traditionellen Folk-Musik bringt die beiden zusammen. Für Lionel beginnt eine unvergessliche Zeit innigster Verbundenheit … Die gefeierten Jungstars Paul Mescal und Josh O’Connor begeistern in einer berührenden Liebesgeschichte.

1917 verschlägt es den schüchternen, hoch talentierten Lionel von der väterlichen Farm in Kentucky an die Ostküste, um am Boston Conservatory Musik zu studieren. Dort begegnet er seinem charismatischen Kommilitonen David – und über die gemeinsame Leidenschaft für amerikanische Folksongs beginnt eine innige Verbindung, die bald mehr wird als Freundschaft. Der Erste Weltkrieg trennt die beiden, doch nach Davids Rückkehr brechen sie noch einmal zu einer Expedition durch die Wälder von Maine auf, um altes Liedgut mit einem Phonografen aufzuzeichnen. Zwischen verschneiten Landschaften, vergänglichen Melodien und unausgesprochenen Sehnsüchten entsteht das Porträt einer Liebe, die Lionel ein Leben lang begleiten wird … Mit grosser Sinnlichkeit und feinem Gespür für Klang und Erinnerung erzählt Regisseur Oliver Hermanus eine melancholische Geschichte über Begehren, Verlust und die Kraft der Musik. Anna Wollner schwärmt auf NDR kultur: «‹The History of Sound› funktioniert wie die Musik, die er zeigt. Volkslieder, die Geschichten erzählen – von Liebe, Verlust, Moral. Lieder, die weitergegeben werden, die sich verändern, die Erinnerungen speichern. (…) Paul Mescal und Josh O’Connor tragen das mit einer stillen Intensität. Am Ende ist es kein Film über Liebe im klassischen Sinn, sondern einer über das, was von ihr bleibt: ein Klang, eine Erinnerung, ein Echo.»

 

Ein auf sich allein gestelltes elfjähriges Mädchen trauert um seinen sterbenden Vater und flüchtet sich in eine Fantasiewelt. Die japanische Regisseurin Chie Hayakawa («Plan 75») fasst ihre feinfühlige Studie über Verlust und Trauer in leuchtende Bilder, die sich zu poetischen Episoden verbinden.

Tokio im Sommer 1987. Die elfjährige Fuki lebt mit ihren Eltern in einem Vorort der japanischen Hauptstadt. Ihr Vater ist unheilbar an Krebs erkrankt und verbringt immer mehr Zeit im Spital. Während die Mutter von der Betreuung ihres Mannes und ihrem Vollzeitjob in Anspruch genommen ist, erschafft sich das sensible Mädchen seine eigene, imaginäre Welt. «Renoir», der 2025 in Cannes seine Weltpremiere feierte, ist der zweite, von eigenen Kindheitserlebnissen inspirierte Spielfilm der japanischen Regisseurin Chie Hayakawa. Ondine Perrier schreibt auf arttv: «Fuki bewegt sich in einer Welt, die von Krankheit, Abwesenheit und unausgesprochenen Spannungen geprägt ist. (…) Sie reagiert darauf nicht mit Rebellion, sondern mit Rückzug und Imagination. Hayakawa zeigt Kindheit als hochkonzentrierten Beobachtungszustand – als Phase, in der alles ungefiltert aufgenommen wird. (…) Der Titel ‹Renoir› verweist dabei weniger auf konkrete Kunstzitate als auf eine Haltung: auf das genaue Hinsehen, auf das Licht, auf das Unausgesprochene. So entsteht ein Film, der nicht erklärt, sondern erfahrbar macht. Ein stiller, konzentrierter Film über das Erwachsenwerden im Schatten der Erwachsenen – und ein weiterer Beweis dafür, dass Chie Hayakawa zu den spannendsten Stimmen des zeitgenössischen japanischen Kinos gehört.»

 

Als sich bei John in den frühen 1980er-Jahren die ersten Anzeichen des Tourette-Syndroms bemerkbar machen, wird sein Leben zu einem einzigen Spiessrutenlauf. Der Film erzählt die bewegende Geschichte des britischen Tourette-Aktivisten John Davidson. Ein warmherziges Biopic über Mut, Selbstbestimmung und den Kampf gegen Vorurteile.

Der 13-jährige John ist ein aufgeweckter, beliebter Junge und ein vielversprechendes Ass im Tor, als sich bei ihm die ersten Symptome des Tourette-Syndroms bemerkbar machen. In den frühen 1980er-Jahren ist die Krankheit noch weitgehend unbekannt. Seine nervösen Ticks und verbalen Entgleisungen stossen in seinem Umfeld statt auf Verständnis auf Spott, Bestrafung und Ausgrenzung. Sein Leben wird zu einem einzigen Spiessrutenlauf – bis er mit Mitte zwanzig in der Mutter eines Freundes einen rettenden Engel findet. Die an Krebs erkrankte ehemalige Psychiatriekrankenschwester ist fest entschlossen, in der ihr verbleibenden Zeit dem jungen Mann zu helfen … Basierend auf der gleichnamigen Autobiografie des britischen Tourette-Aktivisten John Davidson, der für sein Engagement 2019 von der Queen in den Order of the British Empire aufgenommen wurde, gelingt Regisseur Kirk Jones ein hinreissend warmherziges und berührendes Biopic. Stefan Volk schwärmt im Filmdienst: «Du bist okay, so wie du bist! Selten hat ein Film diese kitschig-schöne Botschaft so überzeugend, glaubwürdig und unpathetisch transportiert. (…) Mit einem überwältigenden Ensemble rund um den herausragenden Robert Aramayo als erwachsener John entwickelt sich dieser nervenaufreibende, tragikomisch verstörende Film zu einem der schönsten, lustigsten und ermutigendsten Wohlfühlfilme seit ‹Harold and Maude›.»

 

Nach Jahren der Abwesenheit sucht ein berühmter Regisseur den Kontakt zu seinen entfremdeten Töchtern und bietet der älteren eine Rolle in seinem nächsten Film an. Als diese entrüstet ablehnt und er stattdessen einen jungen Hollywoodstar engagiert, kommen schmerzhafte Erinnerungen hoch. Grandioses Familiendrama mit Stellan Skarsgård, Renate Reinsve und Elle Fanning.

Nora und Agnes staunen nicht schlecht, als ihr Vater Gustav nach Jahren der Abwesenheit plötzlich auf der Trauerfeier für ihre Mutter auftaucht. Der einst gefeierte Filmregisseur hatte die Familie verlassen, als die Mädchen noch klein waren. Nora ist inzwischen eine erfolgreiche, aber labile Theaterschauspielerin, während Agnes ein ruhigeres Leben mit Mann und Kind führt. Gustav hat ein neues Drehbuch für einen autobiografischen Film im Gepäck und will, dass Nora die Hauptrolle übernimmt. Doch so einfach lässt sich die zerrüttete Beziehung zu seinen Töchtern nicht kitten … Mit feinem Humor und leiser Melancholie gelingt Joachim Trier eine berührende Vater-Tochter-Geschichte und eine eindringliche Reflexion über Familie und Erinnerung, über Nähe und das bittersüsse Bedürfnis, gesehen zu werden. Auf der umjubelten Premiere in Cannes wurde er dafür mit dem Grossen Preis der Jury ausgezeichnet. Pete Hammond schreibt auf Deadline: «Die wahre Naturgewalt in ‹Sentimental Value› ist Skarsgård. Der Film erwacht in jedem Moment zum Leben, in dem er als Mann auf der Leinwand zu sehen ist, der seinen Töchtern um seiner Karriere willen den Rücken gekehrt hat. Nun, da diese abgeebbt ist, versucht er, aus seinen persönlichen Erfahrungen und seiner Tochter Kapital zu schlagen, um ein Comeback zu schaffen.»

 

Der pensionierte «Professore» geniesst sein beschauliches Leben. Als seine Tochter wegen einer Ehekrise mit ihren zwei Kindern bei ihm auftaucht, gerät seine friedliche Routine aus den Fugen … In seiner neuen, charmanten Komödie erzählt Gianni Di Gregorio von der Schönheit und dem Schmerz der Liebe und dem tiefen Bedürfnis nach Verbundenheit.

Gianni, ein pensionierter Professor Mitte siebzig, geniesst sein geruhsames Leben. Er lebt allein in einer schönen Wohnung und verbringt seine Tage mit Spaziergängen, Lesen und Gesprächen mit Freund:innen. Dies alles ändert sich schlagartig, als seine Tochter Sofia aus Heidelberg mit ihren beiden Kindern plötzlich vor der Tür steht. Sie steckt gerade in einer Ehekrise und hat beschlossen, vorübergehend zu ihrem Vater nach Rom zu ziehen. Damit ist es aus mit Ruhe und Beschaulichkeit; Gianni sieht sich konfrontiert mit neuen Herausforderungen und ungewohntem Gefühlschaos. «Come ti muovi, sbagli» heisst der Film im italienischen Original – sinngemäss übersetzt «Was du auch tust, es ist falsch» – und beschreibt treffend Giannis emotionale Achterbahnfahrt. Francesco Puma meint in Quinlan: «Mit seinem neuen Film bestätigt Gianni Di Gregorio seinen einzigartigen Platz in der italienischen Filmlandschaft: ein Autor, der es versteht, die transformative Kraft des Scheiterns zu erkennen und die zerbrechliche Schönheit des Lebens mit Ironie und Feingefühl wiederzugeben. Ein Loblied auf die Unvollkommenheit und die Möglichkeit einer zweiten Chance. (…) Es ist die Liebe, die dabei im Verborgenen wirkt, sie verschiebt Grenzen, verändert Haltungen und zwingt zum Durchhalten.»

 

Selma und Nori freuen sich auf ihr erstes Kind. Doch eine Fehlgeburt und eine rätselhafte Amnesie stellen ihre Beziehung auf eine harte Probe. Lisa Blatters einfühlsames Drama mit Carla Juri und Dashmir Ristemi kreist um Verlust und Trauerbewältigung nach einem Schicksalsschlag.

Selma und Nori freuen sich auf ihr erstes gemeinsames Kind und eine Zukunft als Familie. Doch eines Morgens findet Nori sich – ohne jegliche Erinnerung – verwirrt und verletzt in einem Park wieder, während Selma eine Fehlgeburt erleidet. Diese beiden Vorfälle stellen ihre Beziehung auf eine harte Probe: Selma zieht sich immer mehr in ihren Schmerz zurück, während Nori von seinen bruchstückhaft auftauchenden, verstörenden Erinnerungen eingeholt wird. Zwischen den beiden scheint sich eine endgültige Entfremdung anzubahnen … Lisa Blatter erzählt in ihrem zweiten Spielfilm von der Schwierigkeit, Gefühle zu kommunizieren. «Es gibt so viel Unausgesprochenes», sagt die Regisseurin. «Selma möchte das Erlebte teilen, Nori möchte Selma vor dem Erlebten bewahren.» Der einfühlsame Film wird von Carla Juri und Dashmir Ristemi getragen. Die 41-jährige Tessinerin («Feuchtgebiete», «Paula») kann auf eine steile Karriere zurückblicken; einen bleibenden Eindruck hinterliess sie als «Erinnerungsingenieurin» Ana in «Blade Runner 2049». Dashmir Ristemi spielte bereits in Lisa Blatters Debüt «Skizzen von Lou». «Von dem, was bleibt» feierte Weltpremiere am Zurich Film Festival 2025, das in seiner Programmankündigung lobte: «Raffiniert erzählt, schafft Lisa Blatter vor der urbanen Kulisse Zürichs ein feines Drama, das das Unausgesprochene in Beziehungen sichtbar macht.»

 

18 Frauen, ein römisches Atelier und ein fantastisches Kleid: Albertina und Gabriella erhalten den Auftrag für einen grossen Kostümfilm. Ihre Schneiderinnen müssen nicht nur unter Zeitdruck arbeiten, sondern auch mit ihren privaten Problemen klarkommen. Ferzan Özpeteks opulentes Melodram feiert die Macht weiblicher Solidarität und die Schönheit der Stoffe und Kostüme.

Ein Regisseur (Ferzan Özpetek) versammelt seine Lieblingsschauspielerinnen bei sich zu Hause zum Essen, um sein neues Filmprojekt mit ihnen zu besprechen. Daraus entsteht die Geschichte der beiden Schwestern Albertina und Gabriella, die im Rom der 1970er-Jahre in den Räumen einer Villa eine Kostümschneiderei betreiben, die vorwiegend für Filmproduktionen arbeitet. Für ihr nächstes Projekt, einen im 18. Jahrhundert angesiedelten Ausstattungsfilm, arbeiten sie mit der oscarprämierten Kostümbildnerin Bianca Vega zusammen. Die Zeit drängt und allen ist klar, dass die anspruchsvolle Aufgabe nur mit vereinten Kräften bewältigt werden kann. Dabei müssen die Näherinnen nicht nur mit der Komplexität des Auftrags und dem Führungsstil ihrer Chefinnen klarkommen, sondern auch mit ihren privaten Problemen. «Diamanti» ist der bisher erfolgreichste Film des türkisch-italienischen Filmemachers Ferzan Özpetek. In der opulenten Hommage an die Kraft weiblicher Solidarität und die erzählerische Kraft des Kostüms vermischen sich Realität und Fiktion. Joachim Kurz schreibt auf Kino-Zeit: «Ferzan Özpetek huldigt in seinem neuesten Werk dem Melodram, den ganz grossen Gefühlen, und wirft zugleich einen sehnsüchtigen Blick zurück auf das (Film-)Handwerk, welches es in der Form heutzutage nicht mehr gibt. (…) Elegant und voller Herzenswärme inszeniert.»

 

Der Dokumentarfilm vermittelt tiefe Einblicke in zentrale Werke der Kunstikone Frida Kahlo. Mithilfe ihrer Briefe und Fachwissen von Expert:innen entschlüsselt der Film Geheimnisse und Symbole, die sich hinter Frida Kahlos Kunst verbergen. Dank neuester Aufnahmetechnik sind die Werke in bislang unvorstellbarer Qualität zu sehen.

Die neue Dokumentation der Reihe «Exhibition on Screen» widmet sich dem Phänomen Frida Kahlo (1907–1954). Die Faszination für die aussergewöhnliche Künstlerin und ihr einzigartiges Werk ist ungebrochen. Nach dem coronabedingten Stopp der ersten Version kommt eine erweiterte Fassung in die Kinos. Anlässlich der aktuellen Ausstellungen «Frida Kahlo: The Making of an Icon» im Museum of Fine Arts in Houston und der Tate Modern in London wurde ein kurzer Exkurs hinzugefügt, der sich mit der Rezeption der heutigen Queer- und Stilikone durch zeitgenössische Kunstschaffende sowie dem daraus resultierenden «Kahlo-Kult» und seiner kommerziellen Vermarktung befasst. Kahlos Werke sind eine stetige Selbstreflexion: über ihr körperliches Leiden, verursacht durch einen schweren Unfall mit 18 Jahren, und die schwierige Beziehung zu Diego Rivera. Gleichzeitig zeigt sie sich in ihren 55 Selbstporträts als Meisterin der Selbstinszenierung mit den markanten Augenbrauen, den Blumenkränzen im hochgesteckten Haar und der farbenfrohen mexikanischen Kleidung. Auszüge aus Briefen und Tagebüchern lassen sie selbst zu Wort kommen, ergänzt durch kenntnisreiche Kommentare von Fachleuten sowie brillante Detailaufnahmen der Gemälde. Bei allem Leiden darf man Kahlos Lebenshunger und Lebensfreude nicht vergessen – ihr letztes Gemälde trägt den Titel «Viva la vida».

 

Die Lehrerin Fred und der rebellische Jugendliche Adam könnten unterschiedlicher nicht sein. Im Rahmen eines Resozialisierungsprogramms pilgern sie gemeinsam nach Santiago de Compostela. Ein bewegendes Drama um Neuorientierung, Zusammenhalt und innere Stärke nach einer wahren Geschichte.

Die Lehrerin Fred steht familiär wie beruflich vor einem Scherbenhaufen: Ihr Mann hat sie verlassen, ihre Tochter kapselt sich ab und von ihrer Schule wurde sie suspendiert. Um diese Krise zu überbrücken, bewirbt sie sich bei einem in Frankreich als «marche de rupture» bezeichneten Resozialisierungsprogramm. Auf einer längeren Wanderung, meist entlang des Jakobswegs, sollen Menschen in Krisensituationen individuell begleitet werden, um – weit weg von ihrer gewohnten Umgebung – neue Lebensperspektiven zu entwickeln. Als Fred die Stelle bekommt, wird ihr der 17-jährige Delinquent Adam als Begleiter zugeteilt. Auf der gemeinsamen Pilgerreise sind beide gezwungen, sich ihren inneren Konflikten zu stellen. So wächst zwischen ihnen eine Verbundenheit, getragen von gegenseitigem Verständnis und Respekt. Regisseur Yann Samuell erzählt in «Compostelle» von zwei Fremden, die auf dem Jakobsweg nicht nur zueinander, sondern auch zu sich selbst finden. Eingebettet in grandiose Landschaften – vor allem im französischen Teil des Jakobswegs – entwickelt sich eine bewegende Geschichte um Neuorientierung, Loslassen und die Kraft des Zusammenhalts. Die Redaktion von Diverto schreibt: «Mit Humor und Herz tragen Alexandra Lamy und Julien Le Berre diesen Film, der sich von den Erlebnissen junger Menschen inspirieren liess, die solche Wanderungen unternommen haben.»

 

Nachdem er sie zusammengeschlagen vorgefunden hat, erzählt eine Nymphomanin einem schüchternen Gelehrten ihre sexuelle Lebensgeschichte … Lars von Triers provokanter Erotikthriller mit Charlotte Gainsbourg und Stellan Skarsgård beeindruckt mit Bildgewalt, Vieldeutigkeit und herausragenden Darsteller:innen.

Der jüdische Intellektuelle Seligman, ein netter, älterer Herr, findet in einem Hinterhof eine nicht mehr ganz junge Frau, die bewusstlos am Boden liegt und offensichtlich zusammengeschlagen wurde. Begleitet von Rammsteins grell-brutalem Song «Führe mich», nimmt Seligman die Frau mit nach Hause, macht ihr Tee und kümmert sich liebevoll um sie. Die Frau, die sich Joe nennt, sagt von sich, sie sei ein böser Mensch und eine Nymphomanin. In so drastischen wie expliziten Rückblenden, unterteilt in fünf Kapitel, erzählt Joe, wie ihr trotz unzähliger Begegnungen ungestilltes Begehren sie in immer drastischere und demütigendere sexuelle Praktiken verstrickte. Eine grossartige Charlotte Gainsbourg, die zwanzig Jahre jüngere Stacy Martin als ihr junges Alter Ego und ein väterlicher Stellan Skarsgård tragen diesen provokanten dritten Teil der «Trilogie der Depression», die Lars von Trier mit «Melancholia» und «Antichrist» begonnen hatte. Björn Hayer schrieb in der NZZ: «Wer sich in diese triste Seelenschau vorwagt, wird zwar ein krankes Schicksal entdecken, aber durch eine von Genialität, Bildgewalt und Vieldeutigkeit getragene Filmkunst belohnt. Jenseits des ungeschönten Blicks in den Orkus beherrscht es der dänische Grossmeister des Psychokinos wie kaum ein anderer, die Gebirge unserer Sehnsüchte und Hoffnungen aufzuzeigen.»

 

Die Vorarlberger Malerin Stephanie Hollenstein war Expressionistin, Lesbe – und überzeugte Nationalsozialistin. Birgitta Weizeneggers Dokumentarfilm zeigt die widersprüchlichen Seiten dieser komplexen Persönlichkeit, die sich aus einer armen Vorarlberger Bauernfamilie in die Wiener Kunstszene kämpfte.

Expressionistische Malerin, Lesbe und überzeugte Nationalsozialistin – in ihrem filmischen Essay widmet sich Regisseurin Birgitta Weizenegger der so schillernden wie widersprüchlichen Persönlichkeit der Künstlerin Stephanie Hollenstein (1886–1944). Aufgewachsen in einer armen Bauern- und Stickerfamilie in Lustenau, studierte sie in München Malerei und etablierte sich später in der Wiener Kunstszene, wo sie als Vorsitzende der Vereinigung Bildender Künstlerinnen Österreichs Sichtbarkeit für die Kunst von Frauen forderte. Sie widersetzte sich Geschlechternormen und lebte offen homosexuell, zu einer Zeit, als dies noch strafbar war. Im Ersten Weltkrieg kämpfte sie, als Mann verkleidet, an der Front. Birgitta Weizenegger wandte für ihr Doku-Drama eine einzigartige Methode an, um eine emotionale Ebene zu erzeugen und die Zuschauer:innen unmittelbar anzusprechen: Sie hat die Darstellerin Irina Wrona direkt mit Aussagen von Zeitgenoss:innen oder Fachleuten, darunter Nina Schedlmayer, Kunsthistorikerin und Autorin der Biografie Hitlers queere Künstlerin, zu ihrer Figur konfrontiert. Birgitta Weizenegger sagt: «Der Film nähert sich der Figur ohne moralische Vereinfachung. Er fragt, wie widerstandsfähig Kunst ist, wenn rechte Ideologien kulturelle Räume besetzen und was diese Geschichte über unsere Gegenwart aussagt.»

 

In den Anden unterstützt die junge Quechua Clara ihre Ziehmutter bei Hausgeburten. Während sie tief in den Ritualen verwurzelt ist, sehnt sie sich zugleich nach einem Leben in der Stadt. In überwältigenden Tableaus erzählt Regisseur Álvaro Olmos Torrico von Tradition, Identität und dem Mut, der eigenen Stimme zu folgen, und zeigt eine Welt im Umbruch.

Hoch oben in den Anden wächst Clara in einer indigenen Quechua-Gemeinschaft auf. Als Ziehtochter von Ana, der letzten traditionellen Hebamme in der Region, soll sie einmal ihre Nachfolge antreten. Schon heute begleitet sie Ana zu Hausgeburten und lernt die alten Rituale ihres Volkes. Mit ihrer aussergewöhnlichen Stimme übernimmt sie die überlieferten Gesänge, die neues Leben auf seinem Weg in die Welt begleiten. Doch während Clara tief in den Traditionen ihrer Gemeinschaft verwurzelt ist, wächst in ihr zugleich die Sehnsucht nach einem anderen Leben. Über ein altes Radio dringen die Klänge der Chicha-Musik aus der Stadt bis in die Berge und wecken in ihr den Wunsch nach Freiheit und einer Zukunft als Sängerin. Gleichzeitig gerät die Welt ihres Dorfes unter Druck: Ärzt:innen aus der Stadt werben für Geburten in modernen Kliniken und stellen das über Generationen weitergegebene Wissen der Hebammen infrage. Zwischen Verantwortung und Selbstverwirklichung, Herkunft und Aufbruch muss Clara ihren eigenen Weg finden. Mit grosser Sensibilität und in überwältigenden Bildern erzählt Álvaro Olmos Torrico von einer Gemeinschaft im Wandel. Vor der majestätischen Kulisse der Anden entfaltet sich ein bewegendes Drama über Identität, Tradition und den Mut, der eigenen Stimme zu folgen – ohne die Verbindung zu den eigenen Wurzeln zu verlieren.

 

Die ukrainische Femen-Aktivistin Inna Schewtschenko trifft auf aussergewöhnliche Frauen – Gläubige, Theologinnen, Aktivistinnen und religiöse Feministinnen. Der fesselnde, preisgekrönte Dokumentarfilm sucht eine Antwort auf die Frage, ob monotheistische Religionen feministisch sein können und Feminismus religiös sein kann.

Religion und Feminismus – ein Widerspruch in sich? Die ukrainische Femen-Aktivistin Inna Schewtschenko reist nach Deutschland, Österreich und in die USA, um im Gespräch mit Priesterinnen, Imaminnen, Rabbinerinnen, Theologinnen und anderen Aktivistinnen diese Frage zu erörtern. Der Fokus liegt dabei auf dem katholischen und orthodoxen Christentum, dem Judentum und dem Islam. Zu ihren illustren Gesprächspartnerinnen zählen die österreichische Bischöfin Christine Mayr-Lumetzberger, die Transgender-Rabbinerin Abby Stein, die iranische Bürgerrechtlerin Maryam Namazie sowie die französische Cartoonistin Coco, die den Anschlag auf Charlie Hebdo überlebte. Dem Regieduo Arash T. Riahi und Verena Soltiz ist ein inhaltlich und visuell beeindruckender Debattenfilm gelungen, der Religion aus einem feministischen Blickwinkel hinterfragt und Glaubenssymbole in kraftvolle Visionen weiblicher Emanzipation verwandelt. Maxi Braun schreibt in epd Film: «Bemerkenswert ist aber der Verlauf, den all diese Diskussionen nehmen. Egal wie erbittert und unversöhnlich die Streitenden in ihren Positionen bleiben, am Ende steht eine respekt- und sogar liebevolle Verabschiedung. We agree to disagree – eine Art der Kommunikation und Konfliktlösung, die der Welt und uns als Gesellschaft auch in vielen anderen Bereichen guttun würde.»

 

1982 schreibt François Mitterrand einen Architekturwettbewerb für ein Bauwerk auf der Achse von Louvre und Arc de Triomphe aus. Überraschend gewinnt der 53-jährige Däne Johan Otto von Spreckelsen, ein bis dahin kaum bekannter Architekt. Das erstklassig besetzte Drama erzählt vom dramatischen Kampf um die Realisierung eines ikonischen Bauwerks.

Johan Otto von Spreckelsen? Das Erstaunen ist gross, als Präsident Mitterrand im Mai 1983 den Gewinner des Architekturwettbewerbs und dessen Siegerprojekt «La Grande Arche» für das im Grossraum Paris gelegene Geschäftsviertel La Défense bekannt gibt. Niemand kennt den 54-jährigen dänischen Architekten und Universitätsprofessor, der bis dahin gerade mal vier Kirchen und sein eigenes Wohnhaus gebaut hat. «La Grande Arche», eine Art moderner Triumphbogen, bildet den vorläufigen Endpunkt der historischen Sichtachse durch den Westen von Paris. Spreckelsens Ideen stossen jedoch schnell an die Grenzen einer komplexen Realität: bautechnische Probleme, Finanzierung und nicht zuletzt die Unberechenbarkeit der Politik. Stéphane Demoustiers fünfter Spielfilm basiert auf dem Doku-Roman La Grande Arche von Laurence Cossé und erzählt vom dramatischen Kampf um die Realisierung eines ikonischen Bauwerks und von dessen ebenso visionären wie kompromisslosen Architekten. Der Film ist mit Claes Bang («The Square»), Sidse Babett Knudsen, Xavier Dolan und Swann Arlaud erstklassig besetzt. Die Redaktion von Voici lobt: «Ein Blick hinter die Kulissen des Baus der ‹Grande Arche› fesselt, die politischen Debatten regen zum Nachdenken an und der tragische Protagonist berührt: ein Wurf!»

 

Briefträger François stellt in seinem Dorf Geschwindigkeitsrekorde auf, nachdem er einen Film über die amerikanische Post gesehen hat. Jacques Tatis umwerfende Liebeserklärung an französische Provinzgemütlichkeit ist voller amüsanter Beobachtungen und wilder Gags. Mit seinem Debüt ist dem französischen Komiker ein skurril-poetisches Meisterwerk gelungen.

In dem idyllischen Dörfchen Sainte-Sévère-sur-Indre sind die Vorbereitungen für das jährliche Schützenfest in vollem Gange. Der schlaksige Briefträger François ist die Hilfsbereitschaft in Person, stiftet aber vor allem Chaos und Verwirrung. Als er im Kino eine Wochenschau über die Geschwindigkeit der amerikanischen Post sieht, gerät er in helle Aufregung. Überzeugt, dass die Französ:innen den Amerikaner:innen in nichts nachstehen, holt er fortan das Letzte aus seinem klapprigen Velo heraus. Mit wilder Fantasie und Akrobatik gelingt es ihm, die Effizienz der Zustellung erheblich zu steigern … «Jour de fête» ist eine liebevoll gezeichnete Dorfchronik voller amüsanter Beobachtungen und wilder Gags, mit der Jacques Tati ein erstes skurril-poetisches Meisterwerk gelungen ist. Obwohl sein Werk nur fünf Kinofilme und einen Fernsehfilm umfasst, zählt er neben Buster Keaton und Charlie Chaplin zu den grossen Komödiant:innen der Filmgeschichte. Wie bei Keaton und Chaplin resultiert auch seine Komik aus einer erstaunlichen Körperbeherrschung. Mit «Jour de fête» wollte Tati den ersten französischen Farbfilm realisieren. Da das Labor keine Farbkopien ziehen konnte, fertigte er in den 1960er-Jahren eine handkolorierte Version an. «Was für ein Film, bei dem allein das Fahrradfahren des Hauptdarstellers zum Ereignis wird!», schreibt Die Welt.

 

Auf den Spuren seines verstorbenen Sohnes radelt Mathias mit seinem Freund Philippe vom Atlantik bis ans Schwarze Meer. Das autobiografisch inspirierte Roadmovie um zwei beste Freunde erzählt voller Wärme, Witz und Menschlichkeit von Lebensfreude, Trauer und der heilenden Kraft des Unterwegsseins. In Frankreich avancierte der Film zum Publikumsliebling.

Mathias bricht mit seinem besten Freund Philippe und seinem stoischen Foxterrier Lucky zu einer Velotour auf, die sie von La Rochelle bis nach Istanbul führen soll. Sie folgen der Route, die Mathias’ tragisch verstorbener Sohn Youri einige Jahre zuvor zurückgelegt hat. Was als leise Trauerbewältigung beginnt, entwickelt sich zu einem überraschend heiteren Abenteuer voller unerwarteter Begegnungen. Dokumentarfilm? Spielfilm? «À bicyclette!» ist eine zutiefst persönliche Arbeit, in der der Schauspieler Mathias Mlekuz in Form eines fiktionalisierten Roadmovies den Tod seines Sohnes verarbeitet. An der Seite von Philippe Rebbot spielt er nicht nur die Hauptrolle, gemeinsam haben sie auch das Drehbuch verfasst. Die Geschichte einer nachgetragenen Liebe und einer anrührenden Männerfreundschaft, die «mühelos zwischen feiner Situationskomik und Ernst, Melancholie und tröstlicher Freude balanciert» (Votivkino), hat das Publikum in Frankreich und der Romandie begeistert. Für Le Figaro war es «Liebe auf den ersten Blick», und Le Parisien schwärmte: «Dieser Film feiert die Liebe zum Leben, selbst in seinen schmerzhaftesten Momenten. Mit diesen beiden Männern könnte man sich sofort anfreunden. Jeder kann sich glücklich schätzen, den anderen an seiner Seite zu wissen. Und wir können uns glücklich schätzen, ihnen auf der grossen Leinwand zu begegnen.»

 

Gut gelaunt meistert die junge Londoner Primarlehrerin Poppy ihren Alltag. Mit ihrem fröhlichen Naturell eckt sie jedoch bei ihrer misslaunigen Umwelt oft an, und ihr Dauerflirt mit dem Leben führt sie in die abstrusesten Situationen. Eine umwerfende Sally Hawkins brilliert in Mike Leighs herzerfrischender, lebensbejahender Komödie.

Die junge Londoner Primarlehrerin Poppy ist eine sprichwörtliche Frohnatur. Ihr fideles Temperament, unterstrichen von grellbunten Outfits, geht so weit, dass man sich zunächst fragt, ob sie einfach entwaffnend gutherzig ist oder ein schlichtes Gemüt hat. Dass Ersteres zutrifft und sie zudem über gesunden Pragmatismus verfügt, wird schnell klar. Spätestens, als sie beschliesst, Autofahren zu lernen, nachdem ihr geliebtes Velo gestohlen wurde. Ihr Fahrlehrer erweist sich jedoch als ein übellauniger Choleriker und Rassist. Als er wieder einmal die Geduld mit seiner dauerfröhlichen Fahrschülerin verliert und sie anbrüllt, bevor der Motor überhaupt läuft, fragt Poppy ihn nur ganz unschuldig: «Are you a Nazi?» Szenen solcher Kinokomik durchziehen den für den grossen Sozialdramatiker Mike Leigh untypischen Film und machen ihn, getragen von einer grandiosen Sally Hawkins, zum reinen Vergnügen. Florian Keller schrieb damals im Tages-Anzeiger: «Das ist sagenhaft aufgekratztes Feelgood-Kino, aber naiv ist das keineswegs. Der Film hat seine dunklen Stellen: Er stellt auf wunderbar beiläufige Weise die grosse Frage nach dem Glück – und Poppy, die sich immer wieder anhören muss, sie solle endlich erwachsen werden, packt die Probleme an, wo es welche gibt.» Und die taz schwärmte: «Mike Leigh ist ein wunderbares Stück Kino gelungen.»

 

Richard Linklaters gefeiertes Meisterwerk mit einem grossartigen Ethan Hawke schildert in Echtzeit die Ereignisse in einer Bar am Abend des 31. März 1943. Während sein langjähriger Partner, der Komponist Richard Rodgers, mit seinem neuen Musical «Oklahoma!» einen grossen Erfolg feiert, gerät das Leben des Songtexters Lorenz Hart ins Wanken.

«In der Ehe heisst es: In guten wie in schlechten Zeiten. Ich glaube, ich bin jetzt im ‹schlechten› Teil angelangt, und das geschah so leise, dass ich es nicht einmal bemerkt habe.» – «Blue Moon» erzählt die Geschichte des legendären Songtexters Lorenz Hart (Blue Moon, My Funny Valentine), dessen berufliches und privates Leben während der Premierenfeier für das Musical Oklahoma! ins Wanken gerät, mit dem sein langjähriger künstlerischer Partner, der Komponist Richard Rodgers, erstmals ohne ihn einen grossen Erfolg feiert. Über 100 Minuten in Echtzeit schildert Richard Linklater die Ereignisse in der Bar Sardi’s am Abend des 31. März 1943, wo eine Vielzahl von Schriftsteller:innen, Schauspieler:innen, Musiker:innen und Protegé(e)s auftreten – eine Parade der Berühmten und derer, die es werden wollen. Mit einem umwerfenden Ethan Hawke in der oscarnominierten Hauptrolle gelingt Linklater eine äusserst unterhaltsame Betrachtung über Freundschaft, Kunst und Liebe. Anlässlich der Weltpremiere auf der Berlinale schwärmte Jonathan Romney im Guardian: «Ein wunderschön inszeniertes Kammerstück, unverhohlen theatralisch, witzig, pikant und ergreifend. Hawkes Hart ist abwechselnd manisch, selbstmitleidig und triumphierend witzig. Er liefert eine raffinierte, überzeugende Tour de Force, die den Broadway alter Schule auf den roten Teppich in Berlin brachte.»

 

In einem heissen Sommer in Berlin versuchen zwei Freundinnen, ihr Liebesleben neu zu ordnen, und stehen sich in der alltäglichen Misere bei. Mit seinem Gespür für Komik im Alltag gelangen Andreas Dresen einige der schönsten Momentaufnahmen des jüngeren deutschen Kinos. Eine herzerwärmende Sommerkomödie, die begeistert, anrührt und beglückt.

Nike und Katrin wohnen im selben Berliner Wohnblock und sind beide single. Nike ist Altenpflegerin und kümmert sich warmherzig um schrullige Senior:innen, während Katrin von einem skurrilen Vorstellungsgespräch zum nächsten eilt – stets auf der Suche nach einem kleinen Stück vom ganz normalen Glück. Es ist Sommer und abends sitzen beide oft auf Nikes Balkon, während Katrins zwölfjähriger Sohn bereits schläft. Die Freundinnen unterhalten sich über die Liebe, die Hormone und das Leben. Mit subtilem Gespür für das Komische im Alltag gelingen Dresen einige der schönsten Momentaufnahmen des jüngeren deutschen Kinos. Cinema war begeistert: «‹Sommer vorm Balkon› ist eine Sozialkomödie, die begeistert, anrührt und die Zuschauer geradezu beglückt – was sich über einen Film selten sagen lässt. Das liegt am brillanten Drehbuch des ‹Solo Sunny›-Autors Wolfgang Kohlhaase, dem erfrischend natürlichen Spiel seiner Hauptdarstellerinnen Nadja Uhl und Inka Friedrich und ganz besonders an der speziellen Fähigkeit von Andreas Dresen, das kleine Alltagsleben um die Ecke ungefiltert und lebensecht abzubilden. Mit der grössten Leichtigkeit bezieht Dresen Laiendarsteller in die Handlung ein, die zum unverzichtbaren Bestandteil des Films werden und ihn stimmig in den jeweiligen Milieus verwurzeln. Dieser Sommer ist ein Geschenk. Lassen Sie ihn sich nicht entgehen.»

 

Seit 2017 dürfen sich Frauen in Saudi-Arabien eine eigene Wohnung mieten, seit 2018 dürfen sie Auto fahren. Azza hält sich als eine der ersten Fahrlehrerinnen über Wasser. Die neuen Gesetze hat sie genutzt, um sich aus ihrer gewalttätigen Ehe zu befreien. Der eindrückliche Dokumentarfilm zeigt, was es heisst, in Saudi-Arabien als Frau selbstbestimmt leben zu wollen.

Seit 2017 ist es Frauen in Saudi-Arabien erlaubt, in eigenem Namen eine Wohnung zu mieten, seit 2018 dürfen sie Auto fahren. Die Enddreissigerin Azza Al Shareef gehört zur wachsenden Zahl saudischer Frauen, die von diesen Lockerungen profitieren – und sie ist eine der ersten Fahrlehrerinnen im Land. Über einen Zeitraum von drei Jahren hat die deutsche Regisseurin Stefanie Brockhaus ihre Protagonistin bei der Arbeit und in ihrer Freizeit begleitet. Sie zeigt, wie mühevoll Azzas emanzipatorischer Weg war – und nach wie vor ist. Mit 16 Jahren von ihrem Vater zwangsverheiratet, bekam sie vier Kinder und war in einer von Gewalt geprägten Ehe gefangen. Erst mit 35 schaffte sie es, sich daraus zu befreien. Heute ist sie mit einem selbst gewählten Ehemann glücklich verheiratet, leidet aber darunter, dass sie ihre vier Kinder aus erster Ehe nur selten sehen und sie kaum auf ihrem Lebensweg begleiten kann. Markus Solty schreibt auf Film-Rezensionen: «Azza ist eine beeindruckende Protagonistin. Mit scharfem Humor, grosser Schlagfertigkeit und einer bemerkenswerten Energie navigiert sie nicht nur durch den chaotischen Verkehr, sondern auch durch die Widersprüche ihres Lebens. Dabei lebt der Film weniger von spektakulären Enthüllungen als von kleinen Momenten, in denen sichtbar wird, wie hart erkämpft selbst scheinbar alltägliche Freiheiten sein können.»

 

Die 30-jährige Blandine navigiert durch die turbulente Pariser Sommerolympiade. Sie will die Schwimmwettkämpfe sehen und ihre Halbschwester besuchen, zu der sie jahrelang keinen Kontakt hatte. Zauberhafte, an Éric Rohmer erinnernde Sommerkomödie mit einer umwerfenden Blandine Madec, die allen Herausforderungen mit stiller Gelassenheit begegnet.

Blandine reist aus der Normandie nach Paris, um während der Sommerolympiade ihre Lieblingsschwimmerin Béryl Gastaldello anzufeuern. Kaum angekommen, geht alles schief: Wegen des grossen Rucksacks wird ihr der Zutritt ins Stadion verwehrt, zudem wird sie wegen eines Buchungsfehlers nach einer Nacht aus der Herberge gewiesen. Glücklicherweise findet sie bei ihrer Halbschwester Julie Unterschlupf. Diese ist zunächst erfreut, Blandine zu sehen, da sie jedoch mitten in einer Trennung steckt, reagiert sie zunehmend gereizt. Allen Widrigkeiten zum Trotz geht Blandine unerschütterlich ihres Weges … Mit ihrem vom Spiegel als Entdeckung gefeierten Debüt legt Valentine Cadic eine impressionistisch hingetupfte Sommerkomödie vor, ein kleines Sommermärchen, das sie im realen Setting des Pariser Olympia-Taumels gedreht hat. Mit Blandine, von Blandine Madec mit eigenwilligem Charme verkörpert, hat die Regisseurin eine der liebenswertesten Frauenfiguren geschaffen, der man in letzter Zeit im Kino begegnet ist. Auch Birgit Roschy, epd Film, ist bezaubert: «Die ebenso flüchtigen wie warmherzigen Begegnungen, von denen diese dreitägige Chronik getaktet ist, erinnern an die Sommerfilme von Éric Rohmer – und die unerwartete, oft burleske Dynamik von Blandines Odyssee sowie ihre heitere Melancholie an Jacques Tati. Von dieser Schauspielerin will man definitiv mehr sehen.»

 

Donya arbeitet in einer Glückskeksfabrik in Fremont. Ihr eintöniges Leben nimmt eine Wendung, als sie zur Verfasserin der Botschaften aufsteigt. Babak Jalalis warmherzige und von schrägem Humor geprägte Geschichte einer jungen afghanischen Einwanderin in Kalifornien ist ein beglückendes kleines Filmjuwel.

Die junge Afghanin Donya konnte nach der Machtübernahme der Taliban nach Kalifornien fliehen und arbeitet in Fremont in einer Glückskeksfabrik. Ihr Alltag ist von Einsamkeit geprägt; sie fühlt sich schuldig, weil sie ihre Familie in Afghanistan zurücklassen musste. Meist isst sie allein in einem kleinen Restaurant und versucht, sich mit Seifenopern zu betäuben. Wegen ihrer Schlafstörungen geht sie wöchentlich zu einem Psychologen. Ihr eintöniges Leben wird durchbrochen, als ihr freundlicher Chef, ein chinesischer Einwanderer der zweiten Generation, sie zur Texterin von Glückskekssprüchen befördert. Während ihre Botschaften von wildfremden Menschen in der ganzen Bay Area gelesen werden, treibt Donyas schwelende Sehnsucht sie dazu, ihre ganz eigene Nachricht in die Welt hinauszusenden – um vielleicht die Liebe zu finden … In betörenden Schwarz-Weiss-Bildern zeichnet der in London lebende iranische Regisseur Babak Jalali das liebevolle Porträt einer jungen Frau, die von ihrer Vergangenheit verfolgt wird und versucht, einen Platz in einer ihr fremden Umgebung zu finden. Voll zärtlicher Melancholie, mit einem berückenden Blick für leicht verschrobene Charaktere und ebenso leisem wie schrägem Humor wurde «Fremont» bei seiner Weltpremiere 2023 am Sundance Film Festival mit den frühen Werken von Jim Jarmusch verglichen. Ein kleines Filmjuwel.

 

Als die einstige Anwältin und angehende Autorin Clémence ihrem von ihr getrennt lebenden Mann ihre Liebe zu Frauen gesteht, entzieht er ihr das Sorgerecht für ihren kleinen Sohn. Vicky Krieps brilliert in einem ungewöhnlichen Scheidungsdrama, das auf dem gefeierten gleichnamigen Bestsellerroman von Constance Debré basiert.

Vor drei Jahren ist Clémence aus ihrer bürgerlichen Ehe ausgebrochen und hat ihren Job als Anwältin an den Nagel gehängt, um sich neu zu erfinden. Sie schreibt an ihrem Romandebüt und geht in ihrem neuentdeckten Begehren für Frauen auf. Mit ihrem Noch-Ehemann Laurent teilt sie sich freundschaftlich im Wochenwechsel die Fürsorge für ihren achtjährigen Sohn Paul. Doch als Laurent von ihren Liebschaften erfährt, reagiert er in seiner gekränkten Eitelkeit und Eifersucht mit nachtragender Vehemenz. Unter dem Vorwand, ihr neuer Lebensstil gefährde das Kindeswohl, beantragt er das alleinige Sorgerecht. Für Clémence beginnt ein jahrelanger, zermürbender Kampf um ihren Sohn, aber auch um ihre sexuelle und intellektuelle Selbstbestimmung. Mit einer grossartigen Vicky Krieps in der Hauptrolle gelingt Regisseurin Anna Cazenave Cambet eine bewegende Verfilmung des gefeierten, autofiktionalen Romans der Pariser Autorin Constance Debré. Markus Solty schreibt auf Film-Rezensionen: «‹Love Me Tender› erzählt kein klassisches Gerichtsdrama, sondern ist ein stilles, präzise beobachtetes Protokoll institutioneller Gewalt. Der Film interessiert sich weniger für spektakuläre Konfrontationen als für die langsame Erosion einer Frau durch bürokratische Verfahren, psychologische Begutachtungen und den permanenten Verdacht, der ihrer Lebensweise entgegengebracht wird.»

 

Zwei Truckerfahrer bringen der Betreiberin einer schlecht laufenden Ramen-Bude die Kunst der Nudelsuppe bei. Seit seinem Erscheinen gilt Jūzō Itamis Komödie um «die heisseste Nudelsuppe der Filmgeschichte» (monopol) als Kultfilm. «Der vielleicht witzigste Film über die Verbindung von Essen und Sex», schwärmte die Washington Post.

Die beiden Trucker Gorō und Gun landen eines Abends zufällig in der bescheidenen Suppenküche der jungen Witwe Tampopo, nachdem sie während der Fahrt ausgiebig über die hohe Kunst der Ramen-Zubereitung philosophiert haben. Von Tampopos Suppenkreationen sind die beiden wenig begeistert, erklären sich aber bereit, ihr zu helfen und zusammen den Laden wieder in Schwung zu bringen – mit dem erklärten Ziel, Tampopo zur Meisterin der Ramensuppe zu machen. Da es bei deren Zubereitung nicht nur auf die Geisteshaltung, sondern auch auf Schnelligkeit und Präzision ankommt, muss Tampopo ein strenges Training durchlaufen. Währenddessen tauchen Gorō und seine Mitstreiter auf der Jagd nach dem ultimativen Ramenrezept in die unterschiedlichsten Schichten und Milieus der japanischen Gesellschaft ein. «Tampopo», der zweite Spielfilm von Regisseur Jūzō Itami, gilt seit seinem Erscheinen als Kultfilm. Einzigartig zelebriert er den sinnlichen Genuss und zeigt, wie sich im Leben alles um die vollendete Schale Ramensuppe drehen kann. Georg Seesslen schrieb im Xenix-Programm: «‹Tampopo› ist ein ebenso turbulenter wie schräger ‹Nudelsuppen-Western›, der gängige Sehgewohnheiten unterläuft, indem er die Filmgenres mit skurrilen Meisterstücklein gleich reihenweise parodiert.» Und Darius Kühner schwärmt in monopol: «Die heisseste Nudelsuppe der Filmgeschichte».

 

Nach dem plötzlichen Tod ihres Onkels kehrt Lilia nach Tunesien zurück, um das Rätsel seines Todes aufzuklären und sich den familiären Geheimnissen zu stellen. Das einfühlsame Drama mit Hiam Abbass erzählt von der Unterdrückung der Homosexualität und der generationenübergreifenden Last des Schweigens.

Lilia hat sich in Paris ein eigenständiges Leben aufgebaut und kehrt zur Beerdigung ihres Onkels erstmals in ihre Heimat Tunesien zurück. Ihre Partnerin Alice bringt sie zwar mit, setzt sie aber in einem Hotel ab – ihre Familie darf nicht wissen, dass sie mit einer Frau zusammenlebt. Während im Haus ihrer Grossmutter die Verwandtschaft zu den Trauerfeierlichkeiten zusammenkommt und ein Mantel des Schweigens über den mysteriösen Umständen liegt, unter denen ihr Onkel zu Tode kam, wird Lilia erneut bewusst, warum sie Tunesien verlassen hat. Sie macht sich daran, das Rätsel um sein tragisches Ende aufzuklären. Vor dem Hintergrund einer Gesellschaft, in der Homosexualität noch immer strafbar ist, privat aber hinter vorgehaltener Hand geduldet wird, zeichnet die in Frankreich lebende tunesische Regisseurin Leyla Bouzid ein dichtes Familienporträt über unausgesprochene Wahrheiten und die stille Sehnsucht nach Verständnis. Mia Pflüger schreibt auf Kino-Zeit: «Eya Bouteraa trägt den Film mit zurückgenommener Intensität, während Hiam Abbass sein moralisches Zentrum bildet. Ihre Darstellung einer Mutter, die ihren Bruder einst zur Offenheit ermutigte, diese Freiheit jedoch ihrer Tochter nicht gewähren kann, verleiht dem Film seine grösste Tiefe. (…) Bouzids Schlussbilder öffnen einen hoffnungsvollen Ausblick auf eine Generation, die ein Leben im Flüsterton nicht länger akzeptieren will.»

 

Die kleine Olive möchte Schönheitskönigin werden. Obwohl ihre Chancen alles andere als gut stehen, setzt ihre Familie alles daran, sie zu unterstützen. Die einfallsreiche Komödie über eine schrullige Sippe wurde anlässlich ihrer Weltpremiere am Sundance Film Festival mit Standing Ovations gefeiert und entzückte in Locarno das Publikum auf der Piazza Grande.

Eine schrecklich nette Familie reist im gelben VW-Bus von Albuquerque ins ferne Los Angeles: Vater Richard ist ein erfolgloser Motivationstrainer auf der Suche nach einem Verleger, Mutter Sheryl hadert mit den Lügen ihrer Mitmenschen, Teenager-Sohn Dwayne möchte zur Air Force und will erst wieder sprechen, wenn er dieses Ziel erreicht hat, Opa Hoover ist eben wegen Heroinkonsums aus dem Altersheim geflogen und Onkel Frank leidet unter der Trennung von seinem Lover. Und dann ist da noch die sechsjährige Olive, die der Auslöser für den Trip war, weil sie unbedingt einen Schönheitswettbewerb gewinnen will … Ein Jahrzehnt bevor Trump in den USA erstmals die politische Bühne betrat, haben Jonathan Dayton und Valerie Faris mit ihrem Spielfilmdebüt die Einteilung der Welt in Winner und Loser so grandios ins Lächerliche gezogen wie kaum jemand zuvor. Seine Weltpremiere feierte der Film am Sundance Film Festival, wo er mit Standing Ovations bedacht wurde. Einige Monate später geriet auch die Europapremiere auf der Piazza Grande in Locarno zum unvergesslichen Ereignis. «Little Miss Sunshine» ist eines der schönsten Roadmovies der letzten Jahrzehnte. Manohla Dargis schrieb anlässlich der Premiere in der New York Times: «In durchweg grossartigen Darstellungen bietet sich ein überraschend scharfer Blick aufs zeitgenössische Amerika.»

 

In der Hoffnung, ihre Familie wiederzufinden, verlassen die neunjährige Shomira und ihr vierjähriger Bruder Shofik mitten in der Nacht ein Rohingya-Flüchtlingslager in Bangladesch und brechen nach Malaysia auf. Der erste in der Sprache der Rohingya und ausschliesslich von Rohingya gespielte Spielfilm erzählt das Drama ihrer Vertreibung aus der Sicht der Kinder.

Im grössten Flüchtlingslager der Welt, in Bangladesch in der Cox’s Bazar Region am Golf von Bengalen, leben rund eine Million Rohingya. Seit Beginn des Bürgerkriegs im Jahr 2021 sind sie in verschiedenen Flüchtlingswellen aus Myanmar geflohen. Die neunjährige Shomira und ihr vierjähriger Bruder Shofik möchten dem elenden Lager entkommen. So werden sie von ihrem Grossvater und einer Tante nachts auf ein Boot gebracht, das sie nach Malaysia bringen soll. Dort lebt ihr Onkel, der den beiden ein besseres Leben ermöglichen könnte. Auf dem Boot ganz auf sich allein gestellt, erreichen sie nach einer achttägigen, gefährlichen Reise schliesslich Land – doch es ist nicht Malaysia, sondern ein Dschungelgebiet in Thailand … Der japanische Regisseur Akio Fujimoto realisierte bereits mehrere Dokumentar- und Spielfilme über Flüchtlinge in Südostasien. In seinem dritten Spielfilm setzt er ganz auf die Ausdruckskraft eines ausschliesslich mit Laien besetzten Schauspielensembles. Es ist der erste Film, der in der Sprache der Rohingya gedreht wurde. Mit einem dokumentarischen Ansatz, frei von Überdramatisierung und getragen von der meisterlichen Kamera von Yoshio Kitagawa, der durch Ryūsuke Hamaguchis «Evil Does Not Exist» bekannt wurde, schafft er es, bildstark an die weitgehend vergessene Tragödie der Rohingya zu erinnern.

 

Kneipenbesitzer Zinos hat einen Bandscheibenvorfall, seine Freundin zieht nach Shanghai und der neue Koch vergrault mit seinen exzentrischen Menüs die Stammgäste. Als «Dirty Heimatfilm» bezeichnete Fatih Akin seine erste Komödie, die zum Kultfilm avancierte und den Grossstadtkiez als familiäres Dorf feiert. Ein rasantes Feelgood-Movie um Kneipen, Ersatzfamilien und die Liebe.

Der Deutschgrieche Zinos betreibt in Hamburg das «Soul Kitchen», eine mässig laufende Kneipe, deren Speisekarte grösstenteils aus Tiefkühlkost besteht. In letzter Zeit scheint er vom Pech verfolgt: Das Finanzamt hat ihn auf dem Kieker, seine Freundin zieht für einen neuen Job nach Shanghai und dann erleidet er auch noch einen Bandscheibenvorfall. In seiner Not stellt er den exzentrischen Sternekoch Shayn ein, der das «Soul Kitchen» auf Spitzenküche umstellt und damit auch noch die letzten Stammkund:innen vergrault. Als wäre das nicht genug, steht plötzlich sein frisch aus dem Knast entlassener Bruder Illias vor der Tür und ein Immobilienhai, der es auf sein Lokal abgesehen hat, droht ihm, den Laden zu ruinieren. Zinos kann froh sein, dass Kellner Lutz nebenher mit seiner Band für Live-Musik sorgt … Als «Dirty Heimatfilm» bezeichnete Fatih Akin seine erste Komödie, die zum Kultfilm avancierte und den Grossstadtkiez als familiäres Dorf feiert. Nicht nur der Filmdienst lobte: «Das alles verknotet Akin zu einem fulminanten, oft delirierenden ‹Bauch-Kino›, sinnlich und sentimental, mal lärmig und schräg, dann wieder leise und poetisch – und doch immer wieder einfach nur schön. (…) Mit Verve und Gespür für Musik und – mitunter derbe – Situationskomik rundet sich ‹Soul Kitchen› zur stimmig-stimmungsvollen Feier menschlichen Zusammenhalts.»

 

Eine betörende Reise durch das Familienuniversum des Giganten des frühen Kinos G. W. Pabst aus Sicht der Frau, die ein Leben lang an seiner Seite stand: die Schauspielerin Trude Pabst. Die beiden verbindet eine aussergewöhnliche Liebe, doch der innovative Regisseur ist privat ein Patriarch, der über den Lebensweg seiner Frau bestimmen will.

Georg Wilhelm Pabst zählt zu den wichtigsten Regisseuren des deutschsprachigen Kinos der 1920er- und 1930er-Jahre. Während sich Daniel Kehlmann in seinem gefeierten Roman Lichtspiel mit Pabsts Rolle in der NS-Zeit auseinandergesetzt hat, rückt Angela Christliebs virtuoser Dokumentarfilm familiäre Aspekte in den Vordergrund. Mithilfe von Filmausschnitten, Archivmaterial sowie unveröffentlichten Briefen und den Tagebüchern von Trude Pabst entwirft «Pandoras Vermächtnis» das spannende Porträt einer ebenso komplizierten wie innigen Ehe. Sichtbar wird, wie eng das schwierige Familienleben und die Filmkunst einander beeinflussten. Im Zentrum stehen die Enkelkinder Marion Jaros, Schmetterlingszüchterin und Umweltaktivistin, Daniel Pabst, Kunstsammler und Komponist, sowie der Dinosaurierforscher Ben Pabst. Valerie Dirk schreibt im Standard: «‹Pandoras Vermächtnis› erzählt auf eine kinematografisch und psychologisch fesselnde Art und Weise von einer Familie, die vom Talent ihres Grossvaters fasziniert, von seinem egozentrischen Wesen jedoch abgestossen ist. (…) Die Enkelgeneration ergreift die Chance, Pandoras Box wieder zu schliessen: wird man doch Zeuge von drei Menschen, die liebevoll, neugierig und reflektiert von der faszinierenden Film- und Familiengeschichte ihrer Grosseltern erzählen.»

 

Der mexikanische Balletttänzer Fernando träumt von internationalem Erfolg und einem Leben in den USA. In der Hoffnung, dass seine amerikanische Geliebte, eine reiche Erbin, ihn finanziell unterstützt, lässt er sein früheres Leben hinter sich … Jessica Chastain brilliert in Michel Francos Mix aus abgründigem Beziehungsthriller und verstörendem Migrationsdrama.

Der junge Mexikaner Fernando ist ein begabter Balletttänzer und träumt von einer Karriere in den USA. Nach einer ersten Abschiebung gelingt ihm erneut die Einreise – zusammengepfercht mit Dutzenden anderen Migrant:innen in einem Container. In San Francisco angekommen, sucht er umgehend die luxuriöse Wohnung von Jennifer auf, die sich sichtlich über seine Rückkehr freut. Die elegante Frau ist Erbin eines millionenschweren Familienunternehmens und leitet eine Kulturstiftung. Regisseur Michel Franco, der mit Jessica Chastain bereits in «Memory» eine toxische Beziehungsgeschichte erzählt hat, seziert in klug konstruierten, fragmentarischen Szenen ein ausbeuterisches Machtgefälle: hier die privilegierte, erfolgreiche Jennifer mit ihrer gönnerhaften Überheblichkeit, dort der illegal eingereiste Fernando, der auf Selbstbestimmung und Anerkennung pocht. Bei Michel Franco verdichtet sich ihre spannungsreiche, erotische Affäre zu «einer schonungslosen Abrechnung mit der amerikanischen Migrationspolitik und den gesellschaftlichen Denkmustern, die damit verbunden sind», schreibt Janick Nolting auf Filmstarts. Arabella Wintermayr bilanziert in der taz: «Im Schatten von Trumps zweiter Amtszeit besticht ‹Dreams› letztlich nicht nur als präzises Beziehungsdrama, sondern auch durch seine beklemmende Aktualität.»

 

Da Psychiater Hector trotz aller Mühen seinen Patient:innen nicht zum Glück verhelfen kann, beschliesst er, dessen Geheimnis zu ergründen, und bricht zu einer Reise um die Welt auf. Mit gutem Gespür für Situationskomik und illustre Schauplätze macht sich Regisseur Peter Chelsom auf eine so erfrischende wie kurzweilige Suche nach dem Sinn des Lebens.

Der Londoner Psychiater Hector führt mit seiner Freundin Clara ein geordnetes, beinahe ereignisloses Leben. Tag für Tag hört er sich die Sorgen und Nöte seiner Patient:innen an. Dabei wird ihm immer klarer, dass kaum jemand zu wissen scheint, was Glück eigentlich ist – selbst er hat keine überzeugende Antwort. Um herauszufinden, was Menschen glücklich macht und worin das Wesen des Glücks besteht, bricht er zu einer Reise durch mehrere Kontinente auf … Mit seinem 2004 erschienenen Roman Le Voyage d’Hector ou la recherche du bonheur (Hectors Reise oder Die Suche nach dem Glück) landete der französische Schriftsteller und Psychiater François Lelord einen internationalen Bestseller. In der charmant und ideenreich inszenierten Verfilmung übernimmt der britische Publikumsliebling Simon Pegg («Shaun of the Dead») die Hauptrolle. An seiner Seite sind unter anderem Rosamund Pike, Stellan Skarsgård und Toni Collette zu sehen. Anke Sterneborg schreibt in epd Film: «So vielfältig wie die Glücksrezepte sind auch die filmischen Mittel, mit denen Peter Chelsom sie voller Witz und Ironie, zwischen tiefgründigem Ernst und beschwingter Oberflächlichkeit, umkreist. Weit davon entfernt, ein salbungsvoller Ratgeber zu sein, eröffnet der Film stattdessen viele kleine Schritte auf dem Weg zum Glück.»

 

Als Helens geliebter Vater unerwartet stirbt, nimmt sie in ihrer Trauer ein Habichtweibchen zu sich, um sich ihm nah zu fühlen. Doch diese Raubvögel sind äusserst schwierig zu zähmen. Claire Foy und Brendan Gleeson beeindrucken in der sensiblen Verfilmung von Helen Macdonalds Bestseller, die mit fantastischen Naturaufnahmen aufwartet.

Helen ist Dozentin an einem College in Cambridge und liebäugelt mit einer Stelle an einem Institut im Ausland, als ihr geliebter Vater unerwartet stirbt. Der preisgekrönte Fotograf Alisdair Macdonald hatte seiner Tochter die Liebe zur Natur vermittelt. Sein plötzlicher Tod stürzt Helen in grosse Trauer. Um sich ihm nahe zu fühlen, beschliesst sie, sich einen Habicht zuzulegen – im Wissen, dass diese prächtigen Raubvögel äusserst schwer zu zähmen sind. Zunehmend verliert sie sich in der Herausforderung, das Vertrauen ihres Habichtweibchens zu gewinnen, das sie Mabel nennt. Zur Sorge ihrer Familie und ihrer Freundin vernachlässigt sie ihren Beruf und zieht sich immer mehr zurück. Basierend auf Helen Macdonalds autobiografischem Bestseller H Is for Hawk (deutsch: H wie Habicht) erzählt die Kinoadaption von Trauer, Depression und der einzigartigen Beziehung zwischen Mensch und Tier. Mit brillanten Tieraufnahmen gelingt der britischen Regisseurin Philippa Lowthorpe ein bewegendes, hervorragend gespieltes Drama. Oliver Kube schreibt auf Filmstarts: «Claire Foy ist grossartig als emotional aus der Bahn geworfene Professorin. Die wunderbar raue Natur Ostenglands und ein mehr als eigenwilliger Raubvogel helfen ihr dabei, uns schnell in die wahre (!) Geschichte dieser aussergewöhnlichen Frau hineinzuziehen.»

 

Jeden Nachmittag schleicht sich der kleine Totò ins Dorfkino und erliegt der Faszination der Leinwand. Zwischen dem grossväterlichen Vorführer und dem Jungen entsteht eine innige Freundschaft. Giuseppe Tornatores warmherzige Hommage an ein sizilianisches Dorfkino als Lebensschule ist eine nostalgische Liebeserklärung an das Kino.

Als der bekannte Filmregisseur Salvatore «Totò» Di Vita von seiner Mutter erfährt, dass Filmvorführer Alfredo in seinem Heimatdorf gestorben ist, erinnert er sich an frühere Zeiten, als das Kino noch das Dorfleben bestimmte. Als kleiner Junge schlich er sich nachmittags jeweils ins «Cinema Paradiso», um stundenlang neben Alfredo zu sitzen und gebannt zu beobachten, wie dieser auf Geheiss des Dorfpfarrers Szenen mit leidenschaftlichen Küssen und Umarmungen herausschneiden musste. Im Laufe der Jahre entwickelte sich zwischen dem grossväterlichen Alfredo und dem heranwachsenden Totò eine innige Freundschaft. Giuseppe Tornatores «Nuovo Cinema Paradiso» ist eine bezaubernde Hommage an das Kino und seine Besucher:innen. Die nostalgisch verklärte Liebeserklärung an den Kinosaal als Lebensschule und Hort von Träumen und Sehnsüchten verknüpft Tornatore mit den Lebensgeschichten mehrerer Generationen von Filmliebhaber:innen. Der international erfolgreiche Film wurde 1989 mit dem Grossen Spezialpreis der Jury in Cannes und dem Oscar für den besten fremdsprachigen Film ausgezeichnet. Philippe Noiret erhielt den Europäischen Filmpreis als bester Schauspieler. Unterstützt durch Ennio Morricones legendären Score scheut sich der italienische Klassiker nicht vor grossen Gefühlen und erfreute schon Generationen von Kinogänger:innen.

 

Es ist nie zu spät, Gutes zu tun: Als beim Beamten Williams Krebs im Endstadium diagnostiziert wird, will er seine verbleibende Zeit mit Sinnstiftendem füllen und etwas Bleibendes hinterlassen. Das gefühlvolle Akira-Kurosawa-Remake mit einem grossartigen Bill Nighy verbindet Gesellschaftskritik mit einem anrührenden, humanistischen Melodram.

London, 1953: Der verwitwete Rodney Williams führt ein freudloses, von Routinen bestimmtes Leben. Als wortkarger leitender Beamter in der Abteilung für öffentliche Bauaufträge hat er sich über Jahrzehnte in die bürokratischen Mühlen einer trägen städtischen Verwaltung eingefügt. Als ihm sein Arzt Krebs im Endstadium diagnostiziert, verschweigt er die erschütternde Nachricht seinem Sohn und dessen Frau. Doch in ihm wächst das Gefühl, sein Leben verpasst zu haben und nichts hinterlassen zu können. Er weicht von seinen Routinen ab, bleibt der Arbeit fern und knüpft freundschaftliche Bande zu einer jungen Mitarbeiterin. Durch diese inspiriert, fasst Williams den Entschluss, ein Projekt aus dem Berg unbearbeiteter Anträge zu verwirklichen. Regisseur Oliver Hermanus inszenierte ein kongeniales Remake des humanistischen Meisterwerks «Ikiru» (1952) von Akira Kurosawa. Das berührende Drehbuch, das wie der grossartige Hauptdarsteller Bill Nighy für einen Oscar nominiert war, stammt vom Literaturnobelpreisträger Kazuo Ishiguro. «Ein leiser, wehmütiger Film, der nie in Kitsch oder Nostalgie verfällt, aber durch seine genaue Charakter- und Milieuschilderung eine verflossene Epoche skizziert», heisst es im Filmdienst. Und Sight and Sound lobt: «‹Living› ist das seltene Beispiel für ein Remake eines Meisterwerks, das mit dem Original mithalten kann.»

 

Drei Schwestern nehmen nach dem Tod des Vaters ihre einsame Halbschwester bei sich auf. Hirokazu Koreedas Meisterwerk feiert «das Kirschblütenglück einer Familie» (Die Zeit), verwandelt Tragisches in Leichtigkeit und Zärtlichkeit und zeigt die Kostbarkeit und den Reichtum geschwisterlicher Zusammengehörigkeit.

Die Schwestern Sachi, Yoshino und Chika sind zwischen 19 und 29 Jahre alt und leben mit ihrer Mutter im alten Haus ihrer Grossmutter. Ihr Vater hat die Familie vor langer Zeit wegen einer anderen Frau verlassen. Als sie eines Tages erfahren, dass er gestorben ist, fahren sie mehr aus Pflichtbewusstsein als aus Trauer zu seiner Beerdigung. Dort lernen sie ihre 13-jährige Halbschwester Suzu kennen und laden sie ein, zu ihnen zu ziehen. Ihre Mutter ist davon anfänglich wenig begeistert … Basierend auf der Manga-Serie Umimachi Diary, erzählt Hirokazu Koreeda einfühlsam und poetisch von brüchigen Familienbanden und «Alltagsritualen, in denen sich die Schönheit und das Glück des Daseins manifestieren» (Filmdienst). Wenke Husmann schrieb in Die Zeit: «Koreeda feiert das Leben, indem er den Augenblick betont. Darin besteht der Zauber seiner Filme. Vergänglichkeit und Tod werden dabei nicht geleugnet. Im Gegenteil, beides wird gezeigt, im Verstreichen der Jahreszeiten, im Wandel des Lichts, im Sterben von Figuren, die uns über den Film ans Herz gewachsen sind. Einmal fährt Suzu auf dem Gepäckträger eines Freundes durch eine Strasse, die ganz überwölbt ist vom strahlend weissen Blühen der Kirschbäume. Die Kamera zeigt uns dazu das Lächeln auf Suzus Gesicht, und man sieht: Glück ist, die Schönheit im Vergänglichen zu erkennen.»

 

Amélie träumt sich fantasievoll durch den Pariser Alltag und hilft den Menschen, denen sie begegnet. Jean-Pierre Jeunet beglückte Publikum und Kritik mit seinem poetischen, surrealen und farbtrunkenen Filmmärchen und machte Audrey Tautou über Nacht zum Star.

Die junge Amélie entdeckt eines Tages in ihrer Wohnung ein Metallkästchen mit Erinnerungsstücken eines früheren Bewohners. Sie beschliesst, ihn zu suchen, um ihm seine Schatztruhe zurückzugeben. Sollte er von ihrer Geste gerührt sein, so will sie auch das Leben anderer Menschen mit kleinen Freundlichkeiten versüssen. Und so hilft Amélie dem Glück ihrer Mitmenschen auf die Sprünge – nur ihr eigenes kriegt sie nicht so recht in den Griff … Mit seinem federleichten, farbtrunkenen Kinomärchen gelang Jean-Pierre Jeunet ein international gefeierter Überraschungshit, der Audrey Tautou über Nacht zum Star machte. Enno Park lobte auf Filmstarts: «‹Le Fabuleux destin d’Amélie Poulain› ist voller Leichtigkeit und Poesie, voller Schmerz und Glück. Der Film dreht nie das grosse, melodramatische Rad, sondern ergeht sich in einer Unmenge kleiner, liebenswerter Details. (…) Er ist jetzt schon ein Kultfilm. Ein überquellendes Füllhorn genialer Einfälle, poetischer Momente, wundervoller Bilder und oft witziger, oft philosophischer Dialoge. Dass er so gut funktioniert, liegt aber auch an der ausgezeichneten Darstellerriege, allen voran Audrey Tautou, die mit ihrem elfenhaften Typ nicht nur eine grossartige Entdeckung ist, sondern alle Aussicht hat, so etwas wie eine neue Audrey Hepburn zu sein.»

 

Der polnische Ingenieur Czesław Bojarski flieht im Krieg nach Frankreich und fertigt unter deutscher Besatzung falsche Papiere. Nach Kriegsende schlägt er sich mit Gelegenheitsjobs durch, bis ein Gangster ihn für die Herstellung von Falschgeld anwirbt. Bald schon ist ihm Kommissar Mattéi auf den Fersen. Mitreissender Krimi über den «Cézanne» der Notenfälscher.

Dem jungen polnischen Ingenieur Jan Bojarski gelingt während des Zweiten Weltkriegs die Flucht nach Frankreich. Unter der deutschen Besatzung entdeckt er sein Talent zur Fälschung von Papieren. Nach dem Krieg will er seine diversen Erfindungen patentieren lassen, doch ohne Registrierung beim Einwohneramt bleibt ihm dies verwehrt. So sieht er sich gezwungen, schlecht bezahlte Gelegenheitsjobs anzunehmen – bis ihn ein zwielichtiger Zeitgenosse für die Herstellung von Falschgeld anwirbt. Fortan führt er ein geheimes Doppelleben, von dem auch seine Familie nichts ahnt. Als plötzlich eine Flut von Falschgeld in Umlauf kommt, gerät Bojarski ins Visier von Inspektor Mattéi, worauf ein nervenaufreibendes Katz-und-Maus-Spiel beginnt … Mit einem grossartigen Cast rund um die französischen Schauspielstars Reda Kateb, Sara Giraudeau und Bastien Bouillon sowie einer perfekt authentischen Ausstattung im Stil des Film noir der 1950er-Jahre verwebt Jean-Paul Salomé nach «La Syndicaliste» erneut einen realen Stoff zu einem packenden Drama: Es ist die mitreissende Geschichte von Czesław Bojarski (1912–2003), einem der brillantesten Geldfälscher des 20. Jahrhunderts. Stéphanie Belpêche schreibt in Le Journal du Dimanche: «Reda Kateb verkörpert diesen faszinierenden Antihelden mit Charisma und Eleganz, der allein durch Blicke und Schweigen alles auszudrücken vermag.»

 

Ila kocht ihrem Mann täglich ein Mittagessen und schickt es ihm ins Büro. Eines Tages jedoch landet die Lunchbox beim Falschen … Die zauberhafte Geschichte um eine enttäuschte Ehefrau und einen einsamen Buchhalter, die zu einem zarten Austausch finden, ist auch eine Hommage an Indiens beeindruckendes Essensliefersystem.

Die einsame junge Ila möchte ihren gleichgültigen Ehemann Rajeev wieder für sich gewinnen. Und da Liebe bekanntlich durch den Magen geht, lässt sie ihm täglich ein selbst zubereitetes Essen ins Büro bringen. Doch Rajeev nimmt keinerlei Notiz davon, denn er ist mit einer Liebschaft beschäftigt. Eine Nachbarin rät Ila, zur Rückeroberung ihres untreuen Gatten kleine Liebesbotschaften in die Lunchbox zu legen. Was Ila allerdings nicht weiss: Ihre Sendung landet jeweils irrtümlich bei Saajan, einem einsamen Witwer, der als Buchhalter kurz vor der Pensionierung steht. Der ist von den Köstlichkeiten so angetan, dass sich sein Naturell verändert und er schliesslich auf die Liebesbotschaften antwortet … Hervorgegangen aus einem Dokumentarfilmprojekt über die «Dabbawalas» von Mumbai – Essenslieferanten, die in der indischen 20-Millionen-Metropole vielen Büroangestellten ihr frisch zu Hause zubereitetes Mittagessen überbringen – kam Regisseur Ritesh Batra durch persönliche Erzählungen der «Dabbawalas» die zentrale Idee zu seinem Film: die Verwechslung einer «Dabba», einer Lunchbox, die zu einer Liebesgeschichte führt. Rainer Gansera schrieb in der Süddeutschen Zeitung: «Riechen, schmecken, fühlen. Die Sinne und die Herzen öffnen sich zugleich. ‹The Lunchbox› ist eine zauberhafte Alchemie aus Kochkunst und Liebessehnsucht.»

 

Die französisch-senegalesische Tänzerin und Choreografin Germaine Acogny, die früher mit dem Choreografen Maurice Béjart zusammengearbeitet hat, gilt als «Mutter des afrikanischen zeitgenössischen Tanzes» und als eine der wichtigsten künstlerischen Stimmen Afrikas. Tanz ist bei ihr stets eine Befreiung vom kolonialen Blick der Zuschauer:innen.

Die heute 82-jährige Germaine Acogny zählt zu den wichtigsten künstlerischen Stimmen Afrikas und gilt als «Mutter des zeitgenössischen afrikanischen Tanzes». In der von ihr entwickelten «Acogny-Technik» verbindet sie traditionelle westafrikanische Tänze mit europäischen Einflüssen und begeistert damit die Welt. Nach einer Ausbildung in klassischem Tanz in Paris war sie die erste künstlerische Leiterin des wegweisenden Tanzinstituts «Mudra Afrique», das von Maurice Béjart und dem ersten Präsidenten des unabhängigen Senegal, Léopold Sédar Senghor, gegründet wurde. Seit den späten 1990er-Jahren unterrichtet sie an ihrer Schule «École des Sables» im Senegal Tanzbegeisterte aus ganz Afrika und der Diaspora. Die fesselnde Dokumentation von Greta-Marie Becker – durch ihr Studium ebenfalls engagiert in interkulturellen und dekolonialen Geschlechterdiskursen – verknüpft Archivaufnahmen legendärer Choreografien Acognys mit aktuellen Aufnahmen mitreissender Workshops mit jungen Tänzer:innen ihrer «École des Sables». Silvia Hallensleben schreibt für epd Film: «Das Bewegungskonzept von Germaine Acogny gründet auf kraftvollem Kontakt zur Erde und der bewegten Wirbelsäule als ‹Schlange des Lebens›. (…) Zugleich ist es praktische Kritik am kolonial und patriarchal geprägten Blick.»

 

Zwei lebensfrohe, mittellose Freunde nehmen einen schüchternen Studenten mit auf eine irrwitzige Reise durch Venetien. Zwischen Zufallsbegegnungen, Alkohol und Melancholie entsteht eine bittersüsse Komödie über Freundschaft, Einsamkeit und eine Provinz im Wandel, die in Italien zum Publikumshit wurde.

Die beiden mittellosen Fünfzigjährigen Carlobianchi und Doriano sind Freunde, die sich so optimistisch wie listig durch alkoholgetränkte Tage manövrieren. Stets mit dem Ziel, noch ein letztes Glas zu trinken. Eigentlich sind sie zum Flughafen unterwegs, um ihren alten Freund Genio abzuholen, der lange in Argentinien gelebt hat. Eilig haben sie es jedoch nicht. Als sie bei einer Studentenfeier auf den schüchternen Architekturstudenten Giulio treffen, nehmen die kontaktfreudigen Saufkumpane ihn unter ihre Fittiche. Giulio will eigentlich nur nach Hause, um für eine Prüfung zu büffeln, doch ihrer Hartnäckigkeit entkommt er nicht. Auf ihrem Roadtrip durch Venetien erlebt das ungleiche Trio kuriose Zufallsbegegnungen und abenteuerliche Momente. Die bittersüsse Komödie «Le città di pianura» war in Italien ein Publikumshit und gewann dieses Jahr sechs David-di-Donatello-Preise, darunter für den besten Film und die beste Regie. Francesca Nobili schreibt auf CineFacts, Francesco Sossai habe «einen der interessantesten italienischen Filme des Jahres inszeniert. Die Reflexion über das heutige Venetien, über eine Provinz im Wandel, spricht direkt die Gegenwart an. Einsamkeit und urbane oder halbländliche Entfremdung treten deutlich zutage und geben Orten und Menschen eine Stimme, die vom Mainstream-Kino oft vergessen werden.»

 

Hirayama arbeitet als Toilettenreiniger in Tokio. Er lebt ein einfaches, klar strukturiertes Leben und liebt Musik, Bücher und Bäume, die er gerne fotografiert. Durch den Besuch seiner Nichte wird er mit seiner Vergangenheit konfrontiert. Wim Wenders ist eine bewegende und poetische Reflexion über die Schönheiten des Alltags gelungen – ein beglückender Film.

Hirayama arbeitet als Toilettenreiniger in einem gehobenen Viertel von Tokio. Nach dem Aufstehen schlüpft er in einen blauen Overall, setzt sich in seinen Lieferwagen und fährt zu seinem ersten Einsatzort, einem schmucken, an einen Tempel erinnerndes Toilettenhäuschen. Seine Arbeit verrichtet er mit hingebungsvoller Präzision, die Mittagspausen verbringt er in einen Park, wo er seiner Passion nachgeht: Er fotografiert Baumkronen. Zurück im Auto hört er auf einem Kassettenrekorder alte Rocksongs von Patti Smith, The Kinks und Lou Reed. Eines Tages steht plötzlich seine Nichte vor ihm, zu der er seit Jahren keinen Kontakt mehr hatte. Die Begegnung konfrontiert Hirayama mit seiner Vergangenheit, die er glaubte, hinter sich gelassen zu haben. «Perfect Days» ist ein leiser, perfekt komponierter Film von geradezu überwältigender poetischer Kraft. Kōji Yakusho, der 2023 in Cannes als bester Schauspieler ausgezeichnet wurde, verkörpert den wortkargen Hirayama mit einer ätherischen Präsenz, die nicht von dieser Welt zu sein scheint. Rouven Linnarz schreibt auf Film-Rezensionen: «‹Perfect Days› ist ein stilles Drama um den Wert des Glücks in der heutigen Welt. Wim Wenders gelingt ein unterhaltsamer, oft sehr poetischer Film, der die Frage nach dem richtigen Leben stellt und einen Menschen zeigt, der meint, dies für sich gefunden zu haben.»

 

Die Welt geht unter, Kalifornien versinkt im Meer und das Internet ist tot. Doch alle bedanken sich bei «Chuck» Krantz, einem 39-jährigen Buchhalter … Beglückende Ode an das Leben nach einer Vorlage von Stephen King – ganz nach dem Motto: Lass öfter mal die Aktentasche fallen und tanze, als gäbe es kein Morgen!

Die Welt geht unter, Kalifornien versinkt im Meer, das Internet ist tot – doch in einer amerikanischen Kleinstadt herrscht vor allem Dankbarkeit gegenüber «Chuck» Krantz, einem gewöhnlichen Buchhalter, der freundlich von Plakatwänden und aus dem Fernsehen lächelt. Wer ist dieser Mann, den niemand wirklich zu kennen scheint? Ein Rätsel, das weit zurückreicht – bis in dessen Kindheit bei seiner Grossmutter, die ihre Leidenschaft fürs Tanzen an ihn weitergab, und seinem Grossvater, der ihn in die Geheimnisse der Buchhaltung einweihte und ihn unbedingt vor jenem der verschlossenen Dachkammer schützen wollte. Ein Rätsel, das vor allem eine Frage aufwirft: Kann das Schicksal eines Einzelnen die ganze Welt verändern? Mit «The Life of Chuck» gelang Regisseur Mike Flanagan eine tief bewegende Adaption von Stephen Kings gleichnamiger Kurzgeschichte. Geschickt verbindet er das Mystische der Vorlage mit den grossen Fragen des Lebens und findet Magie in der zauberhaften Melancholie des menschlichen Daseins. Anna Wollner schreibt auf NDR Kultur: «Der Film ist eine Ode an das Leben, nicht traurig, aber sentimental und trotzdem lebensbejahend. Nur auf den ersten Blick ein Katastrophenfilm. Denn in seinem leichtfüssigen Kern vermittelt er eine ganz einfache Botschaft: Öfter mal die Aktentasche fallen lassen und ausgelassen tanzen – als gäbe es kein Morgen.»

 

Mit Archivschätzen, Interviews, Bachmanns Texten und improvisierten Szenen durchmisst der Film die zentralen Lebensphasen der grossen Autorin – von ihrer Kriegskindheit in Kärnten, ihrem Aufstieg zum Star der Gruppe 47 bis zu ihren letzten Tagen in Rom. Eine poetische Spurensuche und sensible Hommage mit Sandra Hüller.

Anlässlich des 100. Geburtstags der mythenumrankten Autorin am 25. Juni sind nicht nur neue Biografien, Erinnerungen und Essays erschienen, sondern auch ein Dokumentarfilm. Für ihre Annäherung an Leben und Werk einer der grössten Schriftstellerinnen des 20. Jahrhunderts hat Regina Schilling Archivschätze gehoben und mit inszenierten Szenen, die Ingeborg Bachmann durch einen imaginären Tag in Rom begleiten, zu einem kunstvollen Dokumentarfilm verwoben. Sandra Hüller beginnt diesen Tag auf der Veranda eines eleganten Apartments, das an Bachmanns letzte Wohnung erinnert. Der Film ruft zentrale Lebensstationen der Autorin ins Gedächtnis: ihre prägende Kriegsjugend in Klagenfurt, ihren glanzvollen Aufstieg zur gefeierten Lyrikerin, die das Spiegel-Cover zierte, bis zu ihren letzten Tagen in Rom. Zur Sprache kommen ihre komplizierten Beziehungen zu dem Lyriker und Holocaust-Überlebenden Paul Celan, dem Komponisten Hans Werner Henze sowie dem Schweizer Autor Max Frisch, mit dem sie in Rom zusammenlebte. Immer wieder ist die Autorin selbst zu sehen und zu hören – in Lesungen und Interviews, die wertvolle Einblicke geben in ihr unnachgiebiges Ringen im Spannungsfeld zwischen öffentlichem Ruhm und existenziellen Krisen sowie um eine eigene, radikale Sprache.

 

Nino und Yasmina sind als Kinder eng befreundet, verlieren sich aus den Augen und begegnen sich erst zwanzig Jahre später wieder. Es ist der Beginn einer grossen Liebe – doch sowohl private Erlebnisse als auch die politischen Unruhen im Libanon haben ihre Spuren hinterlassen … Eine mitreissende Liebesgeschichte in schwierigen Zeiten.

Beirut, heute: Nino führt sein eigenes Restaurant, in dem der liebenswürdige Chaot mit seinem besten Freund innovative Gerichte auf den Teller zaubert. Er ist ein unerschütterlicher Optimist, dessen Einstellung zum Leben aus dem frühen Verlust seiner Eltern entstanden ist. Yasmina hingegen blickt desillusionierter auf eine Realität, die von politischen, wirtschaftlichen und privaten Krisen bestimmt wird. Die vielbeschäftigte Regierungsberaterin steht kurz davor, nach Europa auszuwandern. Als das Schicksal die beiden Kindheitsfreund:innen wieder aufeinandertreffen lässt, ist es schnell um sie geschehen, und Yasmina wirft ihre Pläne über Bord. Doch was als wunderbare Fügung beginnt, wird schon bald von der unsicheren Lebensrealität im Libanon eingeholt: Wie plant man eine stabile Zukunft an einem Ort, dessen Gegenwart ständig ins Wanken gerät? Mit Charme, Humor, emotionaler Tiefe und einer mitreissenden visuellen Energie erzählt Cyril Aris über drei Jahrzehnte hinweg die Geschichte einer grossen Liebe, die zum Spiegel eines Landes zwischen Hoffnung und Ernüchterung wird. Bei seiner Weltpremiere am Filmfestival von Venedig mit dem Publikumspreis ausgezeichnet, gelingt ihm eine so melancholische wie lebensbejahende Hommage an Beirut und die Kraft der Liebe – und den Mut, trotz aller Unsicherheiten an sie zu glauben.

 

1977, in einem kleinen Dorf im Tessin: Wegen schlechter Noten wird der 16-jährige Mario von seinem Vater auf einen Bergbauernhof geschickt, wo er lernen soll, was Arbeit bedeutet. Dort macht er Erfahrungen, die ihn nachhaltig verändern. Ein zauberhaft nostalgischer Sommerfilm mit eindrucksvollen Naturbildern und einem mitreissenden italienischen Soundtrack.

Ein Tessiner Dorf im Frühsommer 1977: Mario, der 16-jährige Sohn eines Tankwarts und einer Hausfrau, geht im nahen Locarno aufs Gymnasium. Als er bei einer entscheidenden Prüfung versagt, schickt ihn der gestrenge Vater zu einem Bergbauern ins Maggiatal. Hier soll er lernen, was Arbeiten heisst. Zwar beobachten die Bergler:innen den «Becaària» («Faulpelz» im Tessiner Bergdialekt) zunächst voller Misstrauen, doch die Familie von Bauer Belotti, wo Mario wohnt, erweist sich als erstaunlich weltoffen. Und dann ist da auch noch deren schöne Tochter Prisca … Detailverliebt und von einem souverän agierenden Schauspielensemble getragen, hat der Tessiner Regisseur Erik Bernasconi («Sinestesia») den 2011 erschienenen gleichnamigen Roman seines Landsmannes Giorgio Genetelli verfilmt und das Lebensgefühl einer analogen Zeit realer menschlicher Begegnungen in idealer Weise auf die Leinwand gezaubert. Gedreht im Sommer 2024 unter schwierigen Bedingungen im oberen Maggiatal, ist der Film explizit den Opfern der damaligen Unwetterkatastrophe gewidmet. Bei der Weltpremiere an den diesjährigen Solothurner Filmtagen holte «Becaària» den Publikumspreis. Brigitte Häring schwärmt auf SRF: «Ein in warmen, sanften Farbtönen gefilmtes Werk mit einem zugänglichen, sympathischen Hauptdarsteller, das sofort die Herzen des Publikums gewann.»

 

Junge Schweizer Musiker:innen bei Proben, bei ihrer Suche nach Inspiration und ihren Überlegungen, wie man heute klassische Musik spielen soll. Regisseur Georges Gachot fängt die elektrisierende Energie des Schweizer Jugend-Sinfonieorchesters Aargau ein, das traditionellen Kompositionen neues Leben einhaucht.

Als im Sommer 2020 die Arbeit an seinem Film «Misty – The Eroll Garner Story» wegen Corona stockte, erhielt Georges Gachot die Anfrage, eine Probenwoche des Jugendsinfonieorchesters Aargau im Künstlerhaus Alte Kirche Boswil filmisch zu begleiten. Spontan sagte er zu und begann, ohne Vorbereitungen und fixe Vorstellungen zu drehen. Begleitet wurde er nur von seinem langjährigen Tonmeister Balthasar Jucker. Herausgekommen ist ein Film, der die unglaubliche Konzentration und Hingabe der jungen Instrumentalist:innen – alles Amateur:innen – visuell und akustisch hervorragend vermittelt. Dabei erhalten die Jugendlichen viel Raum. Während einige nur musikalisch eloquent sind, beeindrucken andere darüber hinaus auch durch ihre verbalen Fertigkeiten. Mit dem charismatischen Dirigenten Hugo Bollschweiler und dem ungemein witzigen Pianisten Iiro Rantala aus Finnland sind zwei erwachsene Musikerpersönlichkeiten mit von der Partie, deren Enthusiasmus ansteckend wirkt. Bei der Weltpremiere an einem frühen Sonntagvormittag der diesjährigen Solothurner Filmtage wurde «Unisono» mit Standing Ovations gefeiert. Über die Dreharbeiten sagt Georges Gachot: «In meiner Karriere habe ich schon über ein Dutzend Musikfilme realisiert. Aber noch nie habe ich so eine Stimmung erlebt wie bei dieser Probenwoche.»

 

Wenn Frauen in die Fünfziger kommen, verstehen sie oft ihren Körper nicht mehr: Hitzewallungen, Schlafstörungen, Gedächtnisprobleme, Erschöpfung. Ihre Beschwerden werden oft mit Achselzucken quittiert. Wissen ist wenig vorhanden, die Forschung steckt in den Kinderschuhen. Eine Reise in das Mysterium der Menopause.

Der weibliche Körper ist im Laufe des Lebens mehrmals starken hormonellen Veränderungen unterworfen. Wenn Frauen in die Fünfziger kommen, leiden viele an Hitzewallungen, Schlafstörungen, Gedächtnisproblemen und Erschöpfungszuständen. Rund ein Drittel entwickelt so massive Probleme, dass ihr Arbeits- und Sozialleben davon stark beeinträchtigt ist. Der Gang zu Ärzt:innen bringt meist wenig, da es über die Menopause kaum Erkenntnisse gibt, obwohl die Hälfte der Weltbevölkerung davon betroffen ist. Die Regisseurin Louise Unmack Kjeldsen nimmt ihre eigene Krise zum Anlass für eine persönliche und wissenschaftliche Reise in das tabuisierte Thema. Sie spricht mit Frauen, für die die Menopause keine blosse hormonelle Veränderung ist, sondern eine existenzielle Verschiebung – körperlich, psychisch, sozial. Und sie reist zu führenden Wissenschaftlerinnen, die Symptome der Wechseljahre mit einem dreifach höheren Alzheimer-Risiko, Depressionen oder einer hohen Selbstmordrate in Zusammenhang bringen. Generationen von Frauen haben still gelitten; erst allmählich werden die gravierenden gesundheitlichen Auswirkungen deutlich. «Mein neues altes Ich» ist ein wichtiger, erhellender Film, der die Menopause in ein neues Licht rückt, Frauen Mut macht und zeigt, wie dringlich es ist, darüber zu sprechen und mehr Forschung zu Frauengesundheit einzufordern.